Future Generation Art Prize 2019
9 февраля – 7 апреля 2019
PinchukArtCentre представляет выставку 21 номинанта на Премию Future Generation Art Prize 2019 – первую международную премию для молодых художников до 35 лет, учрежденную Фондом Виктора Пинчука в 2009-м и отмечающую в этом году свое десятилетие. Проект познакомит с широким диапазоном практик молодых художников из 17 стран мира, работающих в сфере современного искусства.

Выставка представит новые и недавно созданные работы, раскрывающие две основные темы. Первая посвящена «археологии будущего», в которой прошлое и настоящее рассматриваются сквозь призму завтрашнего дня. Обращаясь к новым технологиям, художники поднимают вопрос о возможности интерпретации знаний в современном мире.

Вторая тема связана с изучением личности. Исходя из индивидуальных социокультурных ценностей и традиций, художники размышляют о расхождениях между этими традициями и постоянно меняющимися реалиями глобализированного мира.
Благодаря по-настоящему глобальному и демократичному формату премия вот уже 10 лет дает возможность развиваться художникам со всего мира, а также пользуется растущей поддержкой со стороны институций и художественных сообществ. Ее уникальная концепция гарантирует, что каждый новый конкурс представляет свежий взгляд на «будущее поколение художников», и мы гордимся, что эти прогрессивные художники работают над тем, чтобы бросить вызов нашему взгляду на мир, предлагая при этом новые модели будущего

Бьорн Гельдхоф
Арт-директор PinchukArtCentre
Кураторы выставки: Бьорн Гельдхоф, арт-директор PinchukArtCentre, и Татьяна Кочубинская, куратор Исследовательской платформы PinchukArtCentre.
Монира Аль Кадири
(35 – Кувейт)
Монира Аль Кадири – художница визуального искусства из Кувейта, родившаяся в Сенегале и получившая образование в Японии. В 2010 году она получила степень доктора философии по интермедийному искусству в Университете искусств Токио, где в своем исследовании изучала эстетику грусти на Ближнем востоке на основе поэзии, музыки, искусства и религиозных практик. В своем творчестве она исследует такие темы, как нетрадиционные гендерные идентичности, нефтяные культуры и их перспективы, а также коррупционное наследие. В 2017 году она представила свой первый живой театральный перформанс «Feeling Dubbing» на Фестивале искусств в Брюсселе. Монира сейчас живет и работает между Бейрутом и Берлином.
"В своих новых работах Монира Аль Кадири исследует последствия нефтяной промышленности для стран Персидского залива и неопределенность их близкого будущего. Художница задает вопрос: что останется в память о преходящем топливном буме, когда он закончится?

Инсталляция в рамках Future Generation Art Prize объединяет несколько произведений: скульптуру «Имперская краска», миниатюрные объекты «Чудо 1, 2, 3» и самое новое видео «Ныряльщик». В цикле «Чудо» и видео «Ныряльщик» Аль Кадири обращается к историческому и культурному наследию традиционного ныряния за жемчугом и торговых практик, которые смела нефтяная экономика. Художница вырезает запчасти нефтяного бура из натуральных жемчужин, создавая между нефтью и жемчугами ранее не существовавшую эстетическую связь. Видео «Ныряльщик» в чем-то автобиографично, ведь дедушка Аль Кадири работал певцом на корабле, собиравшем жемчужины. Использованная в произведении музыка, синхронизированная с движениями актеров, - традиционная песня ныряльщиков. «Имперская краска» - это объект в форме гигантской раковины, окрашенный в пурпур. Коннотации пурпурной краски со временем менялись. В нефтяной промышленности этот цвет считается несчастливым, но в древности этот дорогой пигмент добывали из тысяч раковин вида Murex, и он символизировал власть императоров и королей. Форма раковины, щупальца которой простираются в разных направлениях, символизирует политические и экономические амбиции промышленности полезных ископаемых."
Ю Араки
(33 – Япония)
Ю Араки родился в 1985 году в городе Ямагата, Япония. Араки получил степень бакалавра по изобразительному искусству по специальности «скульптура» в Вашингтонском университете Сент-Луис, США, в 2007 году, и окончил магистерскую программу по исследованиям кино и новых медиа в Токийском университете искусств в 2010 году. В 2013 году он был отобран для участия в программе Tacita Dean Workshop, организованной Fundación Botín в Сантандере, Испания. В течение 2017-2018 гг. он был приглашенным участником резиденции Культурного центра Азии в Кванджу, Южная Корея, а также Государственной академии изобразительного искусства в Амстердаме, Нидерланды. Последние выставки были представлены, в частности, в Национальном музее искусства, Осака; MUJIN-TO Production, Токио; Fundació Joan Miró, Барселона; Dallas Contemporary, Даллас; и на Арт-саммите Окаямы, Окаяма. Его фильмы внесены в программу таких международных фестивалей, как Кинофестиваль BFI в Лондоне, Международный фестиваль короткометражных фильмов в Оберхаузене, Recontres Internationales, Париж / Берлин, и Международный кинофестиваль в Роттердаме, где он получил премию Ammodo Tiger Short Film Award в 2018 году. С 2016 г. Араки является членом объединений Art Translator's Collective и ARTISTS' GUILD. Сейчас живет и работает в Токио, Япония.
"На сегодняшний день в своей художественной практике Ю Араки сосредоточился на личном переживании поразительного чувства утраты. В новой мультимедийной инсталляции «Двустворчатые» Ю Араки приглашает зрителя в грузовой контейнер как метафору портала в другие места, культуры, контексты и эпохи. Первая часть контейнера отсылает к первоначальному виду помещений для караоке - японского изобретения, для которого сначала действительно оборудовали контейнеры. Художник расширяет значение «караоке», которое этимологически происходит от японских слов «кара» (пустота) и «оке» (оркестр), но одновременно «кара» - омоним к слову «раковина». Араки особенно заинтересовала идея кавера на песню как перерождение в другом времени и месте, подобном реинкарнации.

Видео «Двустворчатые: Действие I» - импровизированный фрагментарный рассказ, сочетающий реальную историю юных влюбленных, совершивших самоубийство, бросившись в море между Японией и Кореей, с легендой о св. Иакове, урок французской фонетики и различные репрезентации устриц. Во второй части контейнера видеоскульптура «Упражнения в молчании (Сцены из двустворчатых: Действие II)» дает зрителям возможность заглянуть в гибкий творческий процесс Араки. Произведение состоит из ряда импровизированных кинопроб, где актрису просят передать что-то невербально - некая аллюзия на известный эпизод из «Персоны» Ингмара Бергмана (1966). Эти видеозаписи и фрагмент из диснеевского мультфильма «Алиса в Стране чудес» (1951) предстают как прелюдия к «Двустворчатым: Действию I». Образ устриц как классический символ vanitas объединяет части проекта в одно целое."
Коракрит Арунанондчаи
(31 – Таиланд)
Коракрит Арунанондчаи, родившийся в 1986 году в Бангкоке, получил степень бакалавра по изобразительному искусству в Школе дизайна Род-Айленда и степень магистра искусств в Колумбийском университете, Нью-Йорк. Используя видео, живопись и перформанс, он разрабатывает такие темы, как история, саморепрезентация и культурная дезориентация. Его работы, выполненные в различных стилях и медиа, стремятся найти что-то общее между западным и тайским культурными нарративами, системами веры и художественными практиками. Творчество художника широко выставлялось, и его работы вошли в многочисленные коллекции, в том числе, Музея американского искусства Уитни; SMAK, Гент, Бельгия; Museion, Больцано, Италия; Fondation Louis Vuitton; K11, Гонконг / Шанхай / Пекин.
Коракрит Арунанондчаи создает видеоинсталляции, объединенные в условный цикл «Холст с историей в комнате, полной людей со странными именами». В своей самой новой работе, созданной для Future Generation Art Prize 2019 в сотрудничестве с Алексом Гвожиком и boychild, он меняет название на «Никакой истории в комнате, полной людейи со странными именами». «Никакой истории» отсылает к опосредованному влиянию незаписанных историй, формирующих реальность. Рассказы о привидениях и духах - пример таких теневых историй, которые влияют сейчас на общество. Это видео в качестве отправной точки использует спасение 13 мальчиков, которые оказались в прошлом году в затопленной пещере на севере Таиланда, и анализирует влияние пропаганды, духовных верований, королевской истории, политики холодной войны в Юго-Восточной Азии и местных суеверий, которые сплетаются в новейший миф о репрезентации. Войти и поверить в него может каждый.
Мэдисон Байкрофт
(31 – Австралия)
Мэдисон Байкрофт (род. 1987) – художница, родившаяся в Аделаиде / Каурна Ярта, Австралия, и базирующаяся сейчас в Париже и Роттердаме. Байкрофт – выпускница южноавстралийского университета, а также магистерской программы по изобразительному искусству Piet Zwart Institute в Роттердаме, Нидерланды, при поддержке программы Anne and Gordon Samstag Scholarship. Байкрофт – соучредитель платформы GHOST. Работы Байкрофт были в последнее время представлены в рамках Les Ateliers de Rennes, Франция; Второй Триеннале в Беетстерцваге, Нидерланды; Liveworks Performance Act Award, Италия; Биеннале в Шардже; в Бейруте, Ливан; в Институте современного искусства в Сингапуре; в CAC Brétigny, Париж, Франция; в Westfälischer Kunstverein в Мюнстере, Германия; в Австралийском центре современного искусства в Мельбурне; в Музее современного искусства в Сиднее (Primavera 2014), а также в Австралийского фонда экспериментального искусства. Среди резиденций, участницей которых стала художница – Triangle, Франция; ISCP, Нью-Йорк и Cité Internationale Des Arts, Париж.
В своих работах Мэдисон Байкрофт воспроизводит системные дисфункции, сочетая узнаваемые формы с вещами, которые не подлежат определению. Байкрофт разрушает комфортные предполагаемые схемы, сводя вместе причудливые костюмы, сюрреалистические сценарии и непонятные предметы. Зрители получают опыт очуднения, который может заставить их задуматься об эстетических нормах и способах смотреть на мир, где ценности и модели видения радикально поставлены под сомнение. Байкрофт интересуется возможностью вытеснить самость для того, чтобы создать пространство для эмпатии.

Работа, предлагаемая в рамках Future Generation Art Prize, показательна для практики Байкрофт последних лет и рассматривает, как различные формы выражения могут вступать в конфликт. Какую функцию выполняют поверхности? Маскировка, отвлечение, украшение, толкование и солидарность вопреки различиям: рассмотрены все варианты. Композиция расположена на фоне декоративных фресок, напоминающих древнеримские настенные росписи, и состоит из фильма, скульптур, рисунков мелом и тромбонов, вмонтированных в плинфы с помощью цемента. Все составляющие дополняет перформанс - и активный, и пассивный одновременно. В фильме «Веселый Роджер и друзья» - антипортрете Энн Бонни и Мэри Рид, пираток XVIII века, - Байкрофт использует ассоциативный метод, чтобы свести вместе фрагменты отличности, которые скрывают не менее, чем проявляют.
Каспер Босманс
(28 – Бельгия)
На основе исторических исследований Каспер Босманс расплетает наложения знаков, образующих культурный смысл как в макро-, так и в микрорегистре. Его междисциплинарные работы задействуют институциональную интервенцию, инсталляцию, скульптуру и живопись, которые разбирают и реструктуризируют объекты и символы различных политических, художественных, экологических и социальных порядков. Босманс изучает различные культурные реликвии - взятые из сферы управления, народного искусства и технологий - для создания новых способов прочтения истории власти и знания, которые задержались в пространствах между концептуальным и материальным.
В своих междисциплинарных, часто игривых работах Каспер Босманс исследует историю традиций, создавая новые нарративы, предлагающие аналитический взгляд на культурные и политические артефакты.

Произведение «Янтарная комната и Звездная палата» основан на исследовании европейской политической и культурной истории. Художник имплицитно критикует силовые и властные механизмы, подавая их как эстетический объект. Босманс накладывает художественное изображение Янтарной комнаты (комнаты с панелями из резного янтаря, которую прусский король Фридрих II подарил Петру I в 1717 году, чтобы скрепить союз со Швецией) на декоративный план Звездной палаты (зала в Вестминстерском дворце в Лондоне, где заседал суд, выносивший наказания выдающимся политическим и общественным деятелям XV-XVII вв .; теперь - символ абсолютизма и произвола властителей). Торжественную тишину «зала» нарушает маленький череп аиста, время от времени щелкающего клювом. Тот факт, что у этих птиц нет голосовых связок, приобретает в этом контексте символическое значение, как и кишечник, проходящий через корону и разрушенную арку, в «Тримуфальной арке (Кишечнике)». Цикл из четырех «легендарных» холстов - это визуальное пособие по анализу нюансов и деталей исторических сюжетов, положенных в основу инсталляции.
Габриэль Голаят
(34 – ЮАР)
Габриэль Голаят (род.1983, ЮАР) позиционирует свою практику в контексте, на котором отразились унаследованные пережитки, неравенство и незаживающие травмы колониализма и апартеида, а также социально укорененные структуры патриархальной власти и культуры изнасилования. Создавая возможности для эмоциональных, реляционных столкновений, она стремится оказывать сопротивление насилию, где тела чернокожих, коричневошкирих, женщин, гомосексуалистов и уязвимых людей фиксируются в повседневности через формы репрезентации. В последнее время Голаят участвовала в фестивале Verbo Performance Art Festival (2018), Сан-Паулу; в фестивале Токийского дворца Do Disturb Festival (2018), Париж; в Национальном фестивале искусства (2018), Маканда; а также в 11-й Биеннале Encounters (2017), Мали. Она получила ряд наград, в том числе от Французского института, премию Afrique en Créations (Биеннале в Бамако). Ее работы представлены во многих государственных и частных коллекциях, в том числе, в коллекциях Южноафриканской национальной галереи Изико, Галереи искусств Йоханнесбурга и музея искусства Wits. Сейчас Голаят является кандидатом в Доктора философии в Институте креативных искусств Кейптаунского университета, ЮАР.
Специальная премия
Future Generation Art Prize 2019
«Жюри в восторге от подхода, найденного к такой сложной и важной теме в чувствительной, трогательной и в то же время пронзительной манере в работе «Эта песня - для ...». Она непосредственно и эмоционально обращается к зрителю, и одновременно создает сильное чувство дискомфорта. Однако она оставляет место для личных размышлений и сохраняет уважение к представленным 6 личным историям».
В своих последних произведениях Габриэль Ґолаят создает иммерсивные звуковые инсталляции, обычно в сотрудничестве с музыкантами и диджеями. Она обращается к социополитическоve измерени. проблемы травмы и насилия, прежде всего в контексте женского опыта. В «Эта песня - для ...» она обыгрывает популярную традицию песен-посвящений и предлагает рядe женских музыкальных ансамблей заново исполнить несколько песен. Голаят создает иммерсивную аудио-кинематографическую среду, визуально и физически вовлекая зрителя. Песни-посвящения, на которые созданы новые кавер-версии, выбрали жертвы изнасилований. Эти песни напоминают им о травматическлм опыте и возвращают к определенному времени и месту, призывая сенсорный мир воспоминаний. Голаят вводит в каждую песню акустический разрыв, повторяющийся музыкальный сбой, будто пластинку заело, что вызывает эмоциональный отклик у слушателей. На стенах размещены тексты - аутентичные исповеди о насилии, изнасилованиях и болезненных последствиях после трагедии.
Родриго Эрнандес
(34 – Мексика)
Родриго Эрнандес (Мехико, Мексика, 1983 г.р.) живет и работает между Лиссабоном и Мехико. Он учился в Академии изобразительного искусства в Карлсруэ у Сильвии Бахла с 2010 по 2012 гг., а также в Академии Яна ван Эйка в Маастрихте в 2013-2014 гг. В последние годы он стал участником резиденций Laurenz-Haus Stiftung в Базеле (2015) и Cité International des Arts в Париже (2016). Среди его последних персональных выставок: «The real world does not take flight», Pivô, Сан-Паулу, 2018; «Shadow of a Tank», Art Basel Statements, 2018; «The Gourd and the Fish», SALTS Basel, 2018; «Stelo», P420, Болонья, 2017; «J'aime Eva», ChertLüdde, Берлин, 2017; «Plasma», Madragoa, Лиссабон, 2017; «The Shakiest of Things», Kim ?, Рига, 2017; «I am nothing», Heidelberger Kunstverein, Хайденберга, 2016; «Every forest madly in love with the moon has a highway crossing it from one side to the other», Kurimanzutto, Мехико, 2016; «El pequeño centro», Museo Universitario del Chopo, Мехико, 2015; «What is the moon?», Bonnefantenmuseum, Маастрихт, 2015; «Go, gentle scorpio», Parallel Oaxaca, Оахака, 2014; «A Sense of Possibility», Weingrüll, Карлсруэ, 2014. Последние групповые выставки, в которых он участвовал, проходили в центре Lulu, Мехико; Sadie Coles HQ, Лондон, ZKM Museum für Neue Kunst, Карлсруэ, 2019; Sesc Pompeia, Сан-Паулу; Kunstverein Nürnberg, Нюрнберг; Bonnefantenmuseum, Маастрихт; Gladstone Gallery, Брюссель MendesWoodDM, Брюссель, 2017; Биеннале Femsa Monterrey, Монтеррей; в рамках Hyperconected - 5-й Московской биеннале молодого искусства, Московский музей современного искусства, Москва; Museum Haus Konstruktiv, Цюрих; Queer Thoughts, Нью-Йорк, 2016; Kunsthalle Basel, Базель, 2016. Среди будущих персональных и групповых выставок - Kunsthalle Winterthur, Винтертур; Gamec, Бергамо; Midway Contemporary, Миннеаполис и Sala de Arte Público Siqueiros, Мехико.
Родриго Эрнандес интересуется процессом создания искусства на основе конструирования образов (имиджмейкерства). Его художественная практика предусматривает деконструкцию и сочетание древней иконографии, истории искусства и повседневных изображений для выработки собственного формального лексикона. Вдохновленный идеей многозначности образов, художник использует свое воображение и личные ассоциации, которые становятся ключевым проводником, который поможет сориентироваться в современном мире.

Инсталляция «Нет ничего постоянного. Я ничего не могу удержать в руках надолго» состоит из медных панелей ручной работы, изображающих бренные моменты близости и самосознания. Эти моменты сложно ухватить, ведь они постоянно уклоняются от необходимости обрести конкретную форму. Работы размещены таким образом, что они составляют композицию руки, которая пытается схватить изображения. В этих работах Эрнандес ссылается на технику и образность монументальных рельефов, которые традиционно изготавливают из прочных материалов. Художник сочетает металл - материал, который дарит изображению долгую жизнь - с личными, интимными и текучими сюжетами. Так возникает произведение, где разрыв между формальным и концептуальным измерением едва заметный.
Анна Звягинцева
(32 – Украина)
Анна Звягинцева (род.1986) родилась в Днепропетровске, Украина. Живет и работает в Киеве. Окончила Национальную академию изобразительного искусства и архитектуры в Киеве, отделение станковой живописи. Член кураторской группы «Худсовет», соредактор онлайн-издания Prostory.net.ua, посвященного искусству, литературе, переводу. Номинантка конкурса среди молодых украинских художников МУХи 2010 и Премии PinchukArtCentre 2013. Обладательница специальной премии и приза общественности Премии PinchukArtCentre 2015. В 2015 году также представляла Национальный павильон Украины на 56-той Венецианской биеннале а в рамках групповой выставки «Надежда». Последние персональные выставки Звягинцевой - «Неуместны прикосновения», PinchukArtCentre, Киев, 2017; «Радио за стеной», Closer, Киев, 2015; «Доверчивое движение», Щербенко Арт Центр, Киев, 2013. Среди групповых выставок и проектов - «Mappe. Sguardi sui confine », Palazzo Litta Cultura, Милан, Италия, 2018; «Sguardi sui confine», Триеннале в Милане, Palazzo della Triennale, Милан, Италия, 2018; Exercises in the Dust, культурный центр Tobacco 001, Любляна, Словения, 2018.
Художественную практику Анны Звягинцевой можно рассматривать сквозь призму исследования рисунка как автоматического малозаметного следа. В своем видео «Декларация намерения и сомнения» Звягинцева продолжает исследовать сущность следа, однако тут на смену листу бумаги приходит сцена. В этом кинематографическом опыте художница подчеркивает пространственное взаимодействие и конфликты между персонажами, подчеркивая, что их роли могут меняться. Зрители видят, как женщина моет пол. Но это не так. Остались только мерцающие влажные следы, напоминающие о недолговечности результатов каких-либо усилий. Взаимодействие женщины и луча демонстрирует определенную субординацию между ведущим и ведомым, однако в то же время проявляет фигуру сомнения. Сначала действия женщины подчинены воле луча - она работает там, куда он указывает. Но затем ее эмансипация меняет динамику движений, и она рассекает узел зависимости.
Эли Лундгаард
(28 – Норвегия)
Лундгаард – норвежская художница, базирующаяся сейчас в Мальме, Швеция. Она получила степень магистра по изобразительному искусству в Академии искусств Мальме (2018), а также степень бакалавра по изобразительному искусству в Бергенской академии искусств и дизайна (2015). Художница работает с различными медиа, в основном - с видео и скульптурой. Ее работы были представлены на Московской международной биеннале молодых художников (2016 и 2018), в рамках основной программы 1-й Антарктической биеннале (2017), а также в рамках нескольких выставок и показов в скандинавских странах и других частях Европы. Творчество Лундгаард сосредоточено на манипулировании, разборе на элементы и реконструкции мира вокруг нее, а также на стирании или размазывании контуров распространенных определений и концепций. Она интересуется неопределенностью нарративов, ситуаций и явлений, которые невозможно ни подтвердить, ни опровергнуть. В пределах пространства между фактом и фикцией она превращает кажущееся знакомым во что-то странное и чужое.
Мистецька практика Елі Марії Лундгаард передбачає занурення у людську психіку і спроби її зрозуміти. Вона досліджує, як ми продукуємо значення, а також встановлюємо зв'язки і стосунки між внутрішнім і зовнішнім світами. Художниця вивчає взаємодію та взаємовпливи між суб'єктом і його оточенням. Лундгаард цікавить, як довкілля формує тіло, і навпаки.

У роботі для Future Generation Art Prize Лундгаард створює герметичне поетичне середовище, в якому змішує сприйняття внутрішнього і зовнішнього. Лундгаард приваблює неконтрольована природа й позараціональні ситуації чи досвіди. Вона візуалізує їх у медитативному відео й біоморфних скульптурах, які експонуються у ящиках. Цей твір досліджує ідентичність і функціонує як набір асоціацій, що ставлять під сумнів межі між видимим і невидимим, живим і неживим, ментальним і зовнішнім світом.
Таус Махачева
(35 – Россия)
Таус Махачева (род. 1983, Москва, Россия) известна, прежде всего, своими перформансами и видеоработами, исследующими с критической точки зрения, что происходит, когда разные культуры и традиции вступают в контакт друг с другом. Практика художницы, выросшей в Москве и имеющей культурные корни в Дагестане на Кавказе, питается этой личной связью с сосуществующими мирами периодов пре- и пост-советизации. Часто наполненные юмором, ее работы направлены на испытание на прочность образов, объектов и тел в современном мире.
Художественная практика Таус Махачевой охватывает различные медиа, включая перформанс, видео и инсталляцию, в которых художница критически анализирует столкновение и взаимодействие различных культур и традиций. Махачева выросла в Москве, однако ее корни уходят в культуру Дагестана и кавказского региона в целом. Ее художественная практика сформировалась под влиянием этой личной связи с до- и постсоветским мирами, сосуществующими между собой. Часто с юмором, в своих работах художница испытывает устойчивость образов, объектов и тел в современном мире.

В своей новой работе «Количественная бесконечность задачи» художница превращает пространство галереи в спортзал, где все спортивные снаряды приобретают нестандартную форму и размеры. Аудиосоставляющая работы - серия властных клише из институционального и частного пространств. Выделенные из привычного контекста, эти фразы подчеркивают обсессивную и травматическую функцию языка, проявляя пассивно-агрессивное нагрузки общественных коммуникативных моделей. Сопротивляемость к такому межпоколенческому использованию языка поставлена под сомнение и усилена действиями перформеров, которые движутся по пространству галереи, демонстрируя тревогу и сомнения, пока не оттачивают свои навыки. Произведение поощряет к размышлениям о возможности отстраниться, исцелиться и сопротивляться действующим социальным моделям.
Надано художницею. Створено за підтримки PinchukArtCentre

текст: Ільміра Болотян, Таус Махачева, Крістіна Чернявська
переклад: Бенджамін Лі МакГарр, Ярослава Стріха
саунд-дизайн: Night Production Studio
голосові актори: Джоі Крапек, Лорен Левек, Людмила Ляхевич, Таус Махачева, Кріс Обермейер, Михайло Співаковський, Денис Торчілевський, Лео Троценко, Олена Шамріна, Зоя Шмітт
хореограф: Анатолій Сачівко
перформери: Apache Crew | Марія Бойко, Макс Коцький, Галина Пеха, Олександр Пташник, Аліна Рижкова, Влад Яленко
дизайн костюмів: Паніка Дерев'я
пошив костюмів: Ольга Міщенко
інсталяція: Максим Лоханько, Максим Носов, Ігор Пастух
продюсери: Олена Тороп, Лео Троценко, Крістіна Чернявська
дослідження: Андрій Ефіц, Медея Маргошвілі, Ксенія Скоритченко, Крістіна Чернявська, Лео Троценко

Особлива подяка Тетяні Кочубінській
Тойин Оджи Одутола
(33 – Нигерия)
Тойин Оджи Одутола (род. 1985, Ифе, Нигерия) создает рисунки с использованием различных медиа и поверхностей для изучения потенциала изборожденной территории образа, чтобы впоследствии поставить под сомнение его шаблонные репрезентации. Оджи Одутола участвовала в выставках, представленных в различных институциях, в частности, в Бруклинском музее, Нью-Йорк (2016) Музее современного искусства Сент-Луис (2015) Studio Museum в Гарлеме, Нью-Йорк (2015, 2012); Музее современного искусства Олдрича, Риджфилд (2013) и Menil Collection, Хьюстон, (2012). Среди нынешних персональных выставок - «Scenes of Exchange», 12-биеннале Manifesta, Палермо, Италия, до 4 ноября 2018 года; «Toyin Ojih Odutola: The Firmament, Hood Museum of Art» (деловой центр Гуд), Нью-Гемпшир, 2018; «Toyin Ojih Odutola: Testing the Name», Колледж искусств и дизайна Саванны, Джорджа, 2018; «Toyin Ojih Odutola: To Wander Determined», Музей американского искусства Уитни, Нью-Йорк, 2017-2018; и «A Matter of Fact: Toyin Ojih Odutola», Музей африканской диаспоры, Калифорния, 2016-2017. Среди постоянных коллекций -MoMA, Музей американского искусства Уитни, Балтиморский музей искусства, Музей искусства Нового Орлеана, Филадельфийский музей искусства, Музей искусства Принстонского университета, Музей искусства Спенсера и Национальный музей африканского искусства (Смитсоновский институт). Она получила степень бакалавра гуманитарных наук в Университете Алабамы в Хантсвилле, и магистерскую степень по изобразительному искусству - в Калифорнийском колледже искусств в Сан-Франциско. Оджи Одутола живет и работает в Нью-Йорке.
В своей художественной практике Тойин Оджи Одутола обращается к социополитическому конструкту цвета кожи и изображает альтернативную реальность, где колониального прошлого не было, а персонажи могут жить без колониальной и культурной вины. Как это - быть богатым без чувства вины? Какими были бы установки элит, если бы расовых притеснений никогда не было?

На выставке в рамках Future Generation Art Prize 2019 художница демонстрирует цикл холстов, иллюстрируещий ее неизданную книгу. Картины обыгрывают аристократическую европейскую традицию заказных портретов, чтобы представить идентичность чернокожих народов. Художница предлагает новый подход к истории чернокожих, отказываясь от драматической составляющей пост-колониального дискурса. Это - история не о борьбе и притеснении, а о зажиточных аристократах.
Сондра Перри
(31 – США)
Сондра Перри создает видео и перформенсы, выводящие на передний план использование инструментов цифрового производства как средство для критической рефлексии относительно новых технологий представления и для ремобилизации их потенциала. Перри неоднократно была представлена персональными выставками, в частности, THE KITCHEN с инсталляцией «Resident Evil», а в 2015 году художница участвовала в четвертом выпуске серии выставок Greater New York в MoMA / PS1. В 2017 году Сондра была награждена премией Gwendolyn Knight and Jacob Lawrence Prize за персональную выставку в Музее искусства Сиэттла. Перри имеет степень магистра изобразительного искусства, которую получила в Колумбийском университете, и бакалавра изобразительного искусства от Университета Альфреда. Она живет и работает в своем родном городе Перт-Амбой, штат Нью-Джерси.
В своих работах Сондра Перри обращается к теме расы, идентичности, семейной истории, женственности и технологии. Она создает работы, разворачивающиеся вокруг мотива вызовов, с которыми сталкиваются афроамериканцы, анализируя переплетение технологий и идентичностей. В своих работах Перри часто использует личную историю. Она обращается к средствам цифрового производства как к способу проанализировать новые технологии репрезентации и заново мобилизовать их потенциал.

В «Генеалогии для рабочей станции с многими мониторами: номер один» родственники Перри играют роль самих себя в многоуровневом фрагментированном нарративе, изображающем реальные и мнимые семейные истории. Художница показывает зрителям процесс создания видео - и конструирование нарратива, - но не демонстрирует окончательный результат. Видеоперформанс разворачивается на двух экранах, где несколько открытых окон накладываются друг на друга. Работа освещает сложную и нелинейную функцию образов при конструировании идентичности. Это домашнее видео задает политические вопросы о расизме и социальных вызовах, с которыми афроамериканская община сталкивается ежедневно.
Гала Поррас-Ким
(33 – Колумбия)
Гала Поррас-Ким (Богота, 1984), получила степень бакалавра по изобразительному искусству в Калифорнийском институте искусства CalArts, а также магистерскую степень по исследованиям Латинской Америки в Калифорнийском университете Лос-Анджелеса. Ее последние персональные выставки проходили в галереях Commonwealth and Council, LABOR и Headlands, а также она принимала участие в выставках в Музее искусств округа Лос-Анджелес (LACMA) и музее Уитни в 2017 году, в Музее Хаммера, в Лос-анджелесской биеннале публичного искусства, в 44-м Национальном салоне художников, Колумбия, а также в Региональном фонде современного искусства Пеи-де-ла-Луар, Франция, в 2016 году. Она получила гранты от ассоциации Artadia и Фонда имени Ремы Хорт Манн в 2017 году, Фонда Джоан Митчелл в 2016 году, от организации Creative Capital и Фонда Тиффани в 2015 году, а также от Фонда общины Калифорнии в 2013 году.
Гала Поррас-Ким обращается к социальному и политическому контексту, влияющему на репрезентацию языка и истории, создавая свои работы при посредничестве учебного процесса. Ее произведения - продукты практики, уходящей корнями в исследовательский процесс, охватывающий различные методологии из области лингвистики, истории и сохранения наследия.

Новый корпус работ, созданный для Future Generation Art Prize 2019, охватывает рисунок, скульптуру и звуковую инсталляцию. При поддержке Национального института археологии и истории Мексики Поррас-Ким создала официальную копию двух чистых монолитов, недавно открытых внутри вершины Пирамиды солнца в Теотиуакане. Она предлагает вернуть изъятые археологами монолиты на место, чтобы воспроизвести элементы ритуалов, которые могли там происходить. Произведение также включает в себя большой рисунок с их изначальным местоположением в монументе, а также звуки летнего солнечного цикла, смешивающиеся со звуковым окружением в пирамиде. Последние два произведения работают с солнечным светом: в одном случае лучи проходят через фильтр век, а в другом медное произведение активируется под воздействием прямого солнечного света.
Якоб Стеенсен
(31 – Дания)
Якоб Кудск Стеенсен – датский художник, живущий в Нью-Йорке. Он интересуется тем, как переплетаются воображение, технологии и экология. Для создания своих работ Стеенсен отправляется в насыщенные фотографические путешествия, и затем переводит собранный материал в цифровой мир с помощью 3D-сканеров, фотограмметрии, спутниковых данных и программного обеспечения для компьютерных игр. Его проекты, на которых сказалось влияние экологически ориентированной научной фантастики и разговоров с биологами и этнографами – это абсолютно виртуальные симуляции, населенные мифическими созданиями, существующими в контексте радикальных экологических сценариев. Якоб Кудск в последнее время выставлялся на международных площадках, таких как Центр искусств Джепсон, цифровая платформа Time Square Midnight Moment, Музей искусства Карнеги, Serpentine Galleries, галерея MAXXI в Риме, FRIEZE в Лондоне, Podium в Осло, и Ok Corral в Копенгагене. В 2018 году работа Стеенсена в качестве арт-директора принесла ему награды Telly и Games for Change. Его творчеству посвящали свои материалы MOUSSE Magazine, artnet News, The Art Newspaper, Hyperallergic, Politiken, Information, VICE и New York Times, а также другие издания. Кроме того, он был награжден Фондом датского искусства, Фондом Augustinus, а также премией Lumen Arts Prize. Как художник он участвовал в резиденциях в Центре современного искусства Bemis, AADK, Centra Negra, MASS MoCA, BRIC и Mana Contemporary. Стеенсен является выпускником NEW INC - технолого-культурного инкубатора НОВОГО МУЗЕЯ в Нью-Йорке.
В своей художественной практике Якоб Кудск Стеенсен исследует будущие сценарии гибридизации технологии и природы. Его работа «РЕ-АНИМАЦИЯ» - утопичный ответ на историю вымершего гавайского вида птиц. Последний мого алакайский умер в 1987 году, что поставило точку в истории вида. В 2009 году брачный зов этой птицы выложили на YouTube. С тех пор песню последнего мого алакайского, оставшуюся без ответа, прослушали более полумиллиона раз. «РЕ-АНИМАЦИЯ» - цифровой и пространственный ответ на брачный зов птицы. Художник реконструирует естественный ареал вида, который словно оживает и пытается отстоять свое право на жизнь, если не в органическом, то хотя бы в цифровом мире.

Стеенсен предстает как цифровой садовник: он создал 3D-сканы множества видов местной флоры и фауны, а потом высадил их в своем пространстве, написав алгоритм, описывающий их колонизацию острова. Звуки этого виртуального мира - музыка, созданная с помощью алгоритмов, и интерактивные аудиоэффекты авторства Майкла Рисмана, музыкального руководителя группы Philip Glass Ensemble.
Дэниел Тернер
(35 – США)
Дэниел Тернер родился в 1983 году в Портсмуте, Вирджиния, США. Он получил степень бакалавра по изобразительному искусству в Институте искусств Сан-Франциско в 2006 году и в настоящее время живет и работает в Нью-Йорке, штат Нью-Йорк. Работы Тернера были представлены в рамках международных выставок, в частности: «Daniel Turner» в Chinati Foundation, Марфа, штат Техас; «2 220», Objectif Exhibitions, Антверпен, Бельгия; «Die Kräfte Hinter Den Formen», Galerie im Taxispalais, Инсбрук, Австрия; «Eclat Attraction de la Ruine», университет «Новая Сорбонна», Париж, Франция; «(IPN)", Le Confort Moderne, Пуатье, Франция; «L'expostion D'un Film», Центр современного искусства / Фонд Arditi, Женева, Швейцария; «Die Kräfte Hinter Den Formen», Kunstmuseum Krefeld, Museen Haus Esters und Haus Lange, Крефельд, Германия; «Particle Processed Cafeteria», König Galerie, Берлин, Германия; «Freezer Burn», Hauser & Wirth, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк; «You, your sun and shadow», Университет содружества Виргинии, Ричмонд, штат Виргиния; «PM», Team Gallery, Нью-Йорк, штат Нью-Йорк; «Clear», Gagosian Gallery, Лос-Анджелес, штат Калифорния; «Four Rooms», центр современного искусства в Уяздовском дворце, Варшава, Польша; «Expanded Painting», 5-я Биеннале в Праге, Прага, Чешская республика; и «Modern Talking», Muzeul de Arta Cluj-Napoca, Клуж, Румыния. Тернер был приглашенным научным сотрудником Нью-Йоркского университета в 2009-2010 гг. О творчестве Тернера писали в к ряде монографий и публикаций, в частности, такие издания как The New York Times, The Wall Street Journal, CBS News, Forbes Magazine, Architectural Digest, Interview Magazine, Art Forum, Modern Painters, Flash Art и The Brooklyn Rail. Он получил премию Фонда Поллока-Краснера в 2018 году и грант в рамках программы Виргинского музея изобразительного искусства с 2004 по 2009 г.
Дэниел Тернер преимущественно работает со скульптурой, манипулируя материалом и преобразовывая найденные объекты в осязаемые, тактильные формы или атмосферные среды. Его работы - продукт контролируемых процессов, обыгрывающих специфику места. Этот подход дает Тернеру возможность создавать скульптурные формы на основе транспозиции, выстраивая чувственную связь с географическими локациями, культурными ассоциациями и людьми.

Для этой выставки Тернер создал три скульптуры, вдохновением для которых стала Винницкая областная клиническая психоневрологическая больница. Он преобразовывает предметы из украинской больницы в конкретные и одновременно эфемерные формы. Эта больница, основанная в 1897 году, открыта до сих пор и специализируется на амбулаторном лечении и профилактике психиатрических и неврологических заболеваний, а также нейрохирургии. Художник тонко работает со средой. Он отобрал, архивировал и переплавил одну метрическую тонну железных кроватей из больницы в две концентрированные формы. Третья скульптура создана по схожему методу, только здесь побочные продукты от переработки стали словно впечатаны в стену. Для Тернера форма сводится к трансформации. Выбор материала обыгрывает узнаваемую замкнутую среду и сохраняет физические эффекты, накапливающиеся в определенном месте.
Лаура Уэртас Миллан
(35 – Колумбия)
Лаура Уэртас Миллан – франко-колумбийская художница и режиссер. В переплетении этнографии, экологии, художественной литературы и исторических справок ее работы, основанные на движущихся изображениях, прибегают к изучению стратегий выживания, сопротивления и стойкости к насилию. Ее кинематографическая практика, построенная на возведении сложных визуальных и звуковых миров с вкраплением реального, представлена как на площадках современного искусства, так и на международных кинофестивалях. Ее фильмы, которые были отобраны для участия в официальной программе Viennale (Вена), Международного кинофестиваля в Торонто, Нью-Йоркского кинофестиваля, фестивалей La Habana и Cinéma du Réel (Париж), стали призерами конкурсов в Локарно, FIDMarseille, Doclisboa и Videobrasil и др . Она участвовала в показах и выставках в таких институциях, как Музей Соломона Гуггенхайма (Нью-Йорк), Центр Помпиду (Париж), Национальная галерея Jeu de Paume (Париж), Музей современного искусства в Меделлин, Les Laboratories d'Aubervilliers, Western Front (Ванкувер) и Instituto de Visión (Богота). Ретроспективы ее фильмов проводились в Институте современного искусства (ICA, Лондон), в рамках Кинофестиваля в Мар-дель-Плата, и кинематеке Торонто (TIFF Lightbox) и в центре Flaherty Seminar. Ее работы входят в государственные и частные коллекции таких учреждений, как Kadist Foundation (Париж-Сан-Франциско), Centre National des Arts Plastiques (CNAP) и Cisneros Fontanals Art Foundation (Майами). Сейчас она работает над своим первым полнометражным фильмом после получения в 2017 году степени доктора философии от университета PSL (программа SACRe) и Sensory Ethnography Lab (Гарвардский университет).
Фильмы Лауры Уэртас Миллан балансируют между современным искусством и кинематографом. В них художница переплетает антропологию с экологией и исторические исследования, служащие основой для ее исследовательских кинематографических работ, в которых она рассматривает стратегии выживания, сопротивления и резистенции насилию. В последние годы Уэртас Миллан работает над серией «этнографических фантазий», сопровождающихся глубоким исследованием ее кинематографической концепции.

Для Future Generation Art Prize Уэртас Миллан создала новое произведение Let My People Go, представляющее собой пятиканальную видеоинсталляцию. Главная героиня повествования - растение коки, которую народ муина муруйи в Колумбийской Амазонии чтит как высшую сакральную сущность, женское начала и источник власти и мудрости. Новое поглощающее произведение Уэртас Миллан приглашает нас к ритуальному созерцанию «мамбе» - зеленого порошка, который используют во время ритуала поклонения. Показывая, как употребление этого психотропного субстанции может дать свободу, Let My People Go отказывается от расхожих стереотипов о кокаине и насилии и вместо этого подает диалог с естественной сущностью.
Алия Фарид
(33 – Кувейт)
Алия Фарид (род. 1985) живет и работает в Кувейте и Пуэрто-Рико - странах, из которых она происходит, и чью сложную колониальную историю она раскрывает через рисунки, объекты, пространственные инсталляции и фильмы. Она имеет степень бакалавра по изобразительному искусству Школы пластического искусства Пуэрто-Рико (Сан-Хуан), Магистра наук визуальных исследований Программы визуального искусства MIT (Кембридж, Массачусетс), а также Магистра искусств Музея исследований и теории критики Программы независимых исследований MACBA (Барселона). Фарид участвовала в резиденциях Beta Local (Сан-Хуан), Casa Árabe совместно с Delfina Foundation (Кордоба, Испания), Матхаф: Арабский музей современного искусства (Доха), Davidoff Art Initiative (Ла-Романа), The Serpentine Galleries (Лондон) , La Cité Internationale des Arts (Париж), и marra, tein (Бейрут). Среди недавних и будущих выставок – участие в 32-й Биеннале в Сан-Паулу, 20-м Фестивале современного искусства Sesc_Videobrasil, 12-й Биеннале в Кванджу, а также в 14-й Биеннале в Шардже. Недавние и новые выставки ее работ представлены в NC-arte (Богота), Galerie Imane Farès (Париж) и Sultan Gallery (Кувейт). Она является реципиентом программы 2018 Art Jameel Commission (Дубаи), гранта на производство в сфере визуального искусства от Арабского культурного фонда, а также номинирована на получение премии Future Generation Art Prize 2019.
В своей инсталляции, созданной для Future Generation Art Prize 2019, Алия Фарид продолжает исследовать функцию музеев в Персидском заливе. Это произведение рассматривает вопрос репрезентации; он возник в ответ на провал нескольких попыток скопировать западные образцы в рамках модернизационного проекта. Фрагментированный показ произведений объединяет символы прошлого и настоящего, изображая упадок арабского политеизма с появлением ислама, а впоследствии взлет нового материализма с появлением экономики, сфокусированной на нефтяной промышленности. Среди выставленных объектов - пестрая неоновая вывеска и керамические копии предметов, хранящихся в фондах в подвале недостроенного Кувейтского национального музея: греческие пальметты, набатейская скульптура дельфина с отбитым хвостом, каменная кадильница и стелла. В то же время сводчатая архитектура зала перекликается с интерьерами Каабы, служившей когда-то языческим пантеоном и наполненной сотнями обрядовых статуй. Эти пространственные параллели дают Фарид возможность изобразить мир, полный скрытого напряжения и пронизанный противоречивыми взглядами на роль и производство изображений.
Эмилия Шкарнулите
(31 – Литва)
Эмилия Шкарнулите на протяжении последних десяти лет создает фильмы и видео в тех местах, где возникают современные политические вопросы. Шкарнулите исследует смещение границ между документальным и вымышленным, между экологическими и космическими силами: зондируя все виды нечеловеческого и пост-человеческого масштаба в глубинах космоса и времени. Масштабные видеоинсталляции Эмилии – это обширные, индикативные медитации, посвященные нашему текущему экологическому дискурсу. География, в которой путешествуют ее фильмы, обозначена эпическим ландшафтом – в нем материализуются незримые «гиперобьекты», которые все больше определяют наши политические и экологические кризисы. Она имеет степень магистра искусств, который получила в Академии современного искусства в Тромсе, Норвегия. В последнее время она была награждена несколькими премиями, в том числе Kino der Kunst Project Award, Мюнхен (2017), Spare Bank Foundation DNB Artist Award (2017) и Литовской Национальной художественной премией для молодых художников (2016). Шкарнулите также является основательницей и директором Polar Film Lab в Тромсе, Норвегия.
Главная премия
Future Generation Art Prize 2019
«Работа Эмилии Шкарнулите «t1/2» является последовательно и уверенно представленным результатом глубокого и обширного исследования. Жюри было загипнотизировано ее масштабом, ритмом и темпом, в сочетании со способностью компактно и точно работать с большими промежутками человеческого времени. То, как она использует такой медиум как видео, перерастает в многодисциплинарный опыт, в котором происходит столкновение со многими важными вопросами, которые возникают сегодня перед человечеством и часто остаются непроговоренными. Не вдаваясь в излишнюю дидактику или проповедование, эта работа сохраняет свою неограниченность во времени и поэтичность, и одновременно поднимает фундаментальные вопросы о том, откуда мы происходим, кто мы и куда мы можем прийти»
В своих фильмах Эмилия Шкарнулите исследует изменчивую границу между документальным и художественным произведением. Она работает прежде всего с большим хронометражем, от космического и геологического к экологическому и политическому, исследуя нечеловеческие и постчеловеческое масштабы в глубине времени и пространства.

Ее новая рыбота «t1⁄2» продолжает развивать тему постчеловеческой мифологии. Это - визуальные размышления о современной науке с точки зрения будущего археолога. «t1⁄2» имеет подзаголовок «Период полураспада» - в ядерной физике этот термин обозначает распад ядра атома. Произведение демонстрируется как масштабная видеоинсталляция, где зритель пересекает эпический географический ландшафт, сконструированный с помощью 3D-сканеров дистанционного зондирования и зеркального потолка.

Шкарнулите играет роль сирены, сочетая прошлое с будущим, исследуя память об этрусских некрополах, Литовской атомной электростанции- сестре Чернобыльской АЭС, обсерватории для обнаружения нейтрино «Супер-Камиоканде» в Японии, фабрике антиматерии и Большом адронном коллайдере Европейского центра ядерных исследований, радиолокационной станции «Дуга» и заполярной базе подводных лодок времен Холодной войны. «t1⁄2» обращается к феноменам, большим по масштабу и чем человеческая жизнь, и чем человечество в целом - к прииближающейся климатической катастрофе, природным явлениям, идеологическим конструктам, колоссальным исследовательским сооружениям, новейшим геополитическим процессам и человеческому знанию, как мы его представляем. Все они оставили шрамы на планете Земля.
Маргерит Юмо
(31 – Франция)
Маргерит Юмо (род. 1986, Франция) живет и работает в Лондоне, Великобритания. Она получила степень магистра искусств в Королевском колледже искусств, Лондон, в 2011 году. Персональные выставки с ее работами проходили в Tate Britain, Лондон, Великобритания; Haus Konstruktiv, Цюрих, Швейцария; Schinkel Pavillon, Берлин, Германия; Nottingham Contemporary, Великобритания; Palais de Tokyo, Париж, Франция; и C L E A R I N G, Нью-Йорк, США. Ее работы были представлены в рамках многих групповых выставок, в частности, High Line, Нью-Йорк, США; Château de Versailles, Франция; Kunsthal Charlottenborg, Копенгаген, Дания; Serpentine Gallery, Лондон, Великобритания; Victoria and Albert Museum, Sculpture Gallery, Лондон, Великобритания; и FRAC Midi-Pyrénées, Тулуза, Франция. Персональная выставка Юмо «Birth Canal» проходит сейчас в новом Музее Нью-Йорка. В 2019 году ее персональные выставки пройдут в Museion in Bolzano, Италия, и в Kunstverein, Гамбург, Германия. Работы Маргерит Юмо входят в коллекции таких институций, как MoMA, Нью-Йорк, США; Tate Britain, Лондон, Великобритания; Aishti Foundation, Бейрут, Ливан; Zabludowicz Collection, Лондон, Великобритания; Modern Forms, Лондон, Великобритания. В своих работах Юмо инсценирует пересечения больших расстояний во времени и пространстве, переходы между животным и минеральным и столкновения личных желаний с силами природы. Ее творчество исследует возможность коммуникации между мирами и средствами, благодаря которым знания формируются при отсутствии доказательств или из-за невозможности доступа к объекту дознания. Юмо сплетает события в спекулятивные нарративы, наделяя таким образом неизвестные, невидимые, вымершие формы жизни способностью выплеснуться в грандиозной величественности. Сочетая протоисторию, оккультную биологию и научную фантастику в обескураживающем спектакле, ее работы воскрешают прошлое, соединяют подземное и подкожное, одновременно обновляя жанр поиска в соответствии с требованиями информационной эры.
В своей художественной практике Маргерит Юмо обращается к различным отраслям знаний: от палеонтологии и медиатеории до биологии, вырабатывая основы для своих междисциплинарных работ. В своих произведениях художница последовательно смешивает научные факты, теории заговора и художественные спекуляции. Юмо рассказывает о мнимых событиях - например, возрождении вымерших доисторических видов или появлении потусторонних созданий.

Для Future Generation Art Prize Юмо подготовила проект, говорящий на языке археологии будущего или альтернативной истории. Он продолжает развивать темы, к которым Юмо обратилась в прошлом году на персональной музейной выставке «Родовые пути» в США. Художница и далее воплощает амбициозные замыслы, впервые в своей практике соединив звук с графикой, чтобы выявить связи между прошлым и будущим, между небом и землей. Сочетание визуальных и звуковых ощущений в произведении генерирует новое знание и меняет вектор понимания мира.
Базель Аббас и Руанн Абу-Раме
Базель Аббас и Руанн Абу-Раме (род.1983) работают вместе в рамках практик, основанных на звуке, изображении, тексте, инсталляции и перформенсе. Их практика, полагающаяся в значительной степени на исследование, сосредоточена на пересечениях между перформативностью, формированием политических образов, телом и виртуальностью. Во всех своих работах они испытывают современный ландшафт, обозначенный, кажется, вечным кризисом и бесконечным «настоящим», формирующимся политикой, основанной на желании и трагедии. В рамках своих проектов они откапывают, активируют и изобретают случайные нарративы, фигуры, жесты и территории в качестве материала для того, чтобы заново изобрести возможности настоящего времени. Их подход в значительной мере заключается в сборе образцов как существующих, так и собственноручно придуманных материалов в виде звуков, изображений, текстов, объектов и превращении их вместе в новые «сценарии». Результатом этого является практика, изучающая политические, интуитивные, материальные возможности звука, изображения, текста и места, приобретая формы мультимедийных инсталляций и живых перформенсов с использованием звуков/изображений. Среди персональных выставок - Kunstverein Hamburg (Гамбург), Krannert Art Museum (Иллинойс), Alt Bomonti (Стамбул), ICA (Филадельфия), Центр современного искусства (Осло), Carroll / Fletcher (Лондон), Akademie Der Kuenste Der Welt (Кельн) , New Art Exchange (Ноттингем) и Delfina Foundation (Лондон). Отдельные групповые выставки включают в себя Kunstgebaude Stuttgart (Штутгарт), Portikus (Франкфурт), The Mistake Room (Лос-Анджелес), SeMa Biennale (Сеул), Kunsthalle Wien (Вена), Музей современного искусства Варшавы, ICA (Лондон), 12-ю Биеннале в Шардже, 31-ю Биеннале в Сан-Паулу; 10-ю Биеннале в Кванджу; 13-ю Биеннале в Стамбуле; 6-е Шоу в Иерусалиме; HomeWorks 5 (Бейрут) и Palestine c/o Venice в рамках 53-й Биеннале в Венеции. Художники были научными сотрудниками Академии мирового искусства в Кельне в 2013 году и участниками резиденции Delfina Foundation, Лондон, в 2009 году. Они являются обладателями премии Биеннале в Шардже 2015 года и премии Abraaj Prize 2016 года. Их последняя публикация «And Yet Amy Mask Is Powerful» выпущена изданием Printed Matter в Нью-Йорке.
Фильм Базеля Аббаса и Руанн Абу-Раме «Cвидетельствуй, о ясная звезда» предлагает нам рассмотреть, как уничтожение тел переплетается с уничтожением изображений, и представить условия, при которых те могут появиться снова.
В основе произведения - видео с камеры наблюдения, установленной армией Израиля.
19 марта 2014 четырнадцатилетний Юсуф Шавамре пересек неподалеку от Хеврона «разделительную стену», возведенную израильскими военными. Он шел собирать акуб - съедобное растение, считающееся деликатесом в палестинской кухне: она растет на большой высоте и цветет всего несколько дней. Когда он преодолел стену, его застрелили. Суд приказал военным обнародовать запись с камеры, которая в итоге попала в сеть (позже ее удалили). «Свидетельствую, о ясная звезда» основывается на фрагментированном сценарии-коллаже онлайн-записей ежедневного стирания тел, земли и зданий, а также их возвращения в ритуале и перформансе. Материал движется и наслаивается, а плотность изображений растет с каждым новым уровнем, скрывающим то, что было раньше, в непрерывном свидетельствовании и стирании. Скопление и рассеивание свидетельств возвращает нам определенные моменты, которые мы могли пропустить как белый шум, но мы не можем ни пвернуться и присмотреться повнимательнее, ни отвернуться от них. Бесчисленные тела противодействуют попыткам их стереть, появляясь на улицах, по ссылкам, в записях камер наблюдения.
Только любимая сохранит наши тайны.
С широко закрытыми глазами
Она исцеляет его поцелуем, и он оживает.
А если смерть придет, мы хотим, чтобы она была, как ты:
Краснощекая и похожа на морские волны.
Она исцеляет его поцелуем, и он оживает
Только любимая сохранит наши тайны
С широко закрытыми глазами
Дай мне свою шаль, чтобы я перевязал рану, дай мне свою шаль
Передай земли, вырастившей меня: я люблю ее
Свидетельствуй, о ясная звезда
Если бы только гора между нами рассыпалась прахом
Дай мне свою шаль, чтобы я перевязал рану, дай мне свою шаль
Земля сладкой пыли: даже в огнях твоих — рай
Cooking Sections
Cooking Sections (группа, созданная в 2013 году Даниэлем Фернандесом Паскуалем и Алоном Швабе) - это дуэт пространственных практиков, базирующийся в Лондоне. Их практика, основанная на исследованиях и использующая инсталляции, перформенс, картографию и видео, изучает сечения границ между визуальным искусством, архитектурой и геополитикой. Начиная с 2015 года они работают над несколькими итерациями долгосрочного привязанного к местности проекта CLIMAVORE, исследующего вопросы питания в соответствии с климатическим изменениям. В 2016 году они открыли The Empire Remains Shop - платформу для критических размышлений о последствиях продажи остатков Империи сегодня. Их первая книга о проекте была недавно опубликована изданием Columbia Books on Architecture and the City. Cooking Sections были представлены в рамках выставки павильона США на Биеннале в Венеции в 2014 году. Их работы также были представлены в рамках 13-й Биеннале в Шардже; Manifesta12, Палермо; Lafayette Anticipations, Париж; Serpentine Galleries, Лондон, Atlas Arts, о. Скай; Neue Nationalgalerie, Берлин; Storefront for Art & Architecture, Нью-Йорк; HKW, Берлин; Akademie der Künste, Берлин; Архитектурной триеннале в Осло в 2016 году; ParckDesign, Брюссель а также они были участниками резиденции The Politics of Food в Фонде Дельфина, Лондон. Об их работы писал ряд международных изданий: e-flux, Lars Müller, Sternberg Press, Volume, Frieze Magazine и другие. Сейчас они ведут студию в Королевском колледже искусств в Лондоне.
Специальная премия
Future Generation Art Prize 2019
«Жюри выражает глубокое уважение к художественной практике, затрагивающей серьезные вопросы, к которым наши мастера политики не испытывают ни малейшего аппетита. Через свою работу «CLIMAVORE: За право почвы не быть истощенной» Cooking Sections делают предложения для построения лучшего будущего и успешно привлекают к этой теме более широкую аудиторию»
Cooking Sections прибегает к объединительному потенциалу биоактивизма, чтобы исследовать процессы производства, приготовления и потребления пищи в разных уголках земного шара, а затеи предложить альтернативные сценарии. Их длительный проект CLIMAVORE призван визуализировать, как антропогенные климатические феномены и изменения ландшафта повлияли на циклы производства и потребления пищевых продуктов.

В «CLIMAVORE: За право почвы не быть истощенной» художники проблематизируют алчную эксплуатацию украинских черноземов, привлекают внимание зрителей к изъянам государственного управления природными ресурсами и защищают плодородные почвы от потребительских стратегий частного капитала. В рамках этого проекта художники вышли за пределы пространства PinchukArtCentre и пытаются переосмыслить местную городскую историю. Они приглашают зрителей в подвал Бессарабского рынка, который имеет малоизвестную противоречивую историю. Во время Голодомора ледовая камера под Бессарабским рынком была перепрофилирована в морг. Именно здесь в окружении предметов земледелия различных эпох происходит длительная публичная дискуссия об экологических проблемах в Украине. На каждой встрече состоится публичная дегустация хлеба, изготовленного по рецептам, разработанным художниками. Междисциплинарный подход Cooking Sections включает в себя фантастическое юридическое измерение: художники предложат украинским юристам создать законопроект, утверждающий право почвы не быть истощенной. Этот документ создаст концепцию почвы как субъекта правовых отношений, равного другим юридическим единицам, что предполагает соблюдение его прав.
інсталяція, створена спеціально для заданого простору . відкриття «Зали 31» у підвалі Бессарабського ринку; документальна виставка фотографій, репродукцій колекційних об'єктів, карт, глиняних фігурок, чорнозему; червоно-синє освітлення; шість відкритих дискусій у форматі перформансу; рецепти хліба, зумовлені місцем, де знаходиться інсталяція, й відкриті дегустації; законопроект, що надає ґрунту право не бути виснаженим «Розмови про ґрунт» відбудуться в підвалі Бессарабського ринку о 15:00: «Голодомор» (9 лютого), «Кургани» (16 лютого), «Захист від вивітрювання» (26 лютого); «Вода у Криму» (16 березня), «Комерціалізація ґрунту» (23 березня), «Зерно-мігрант» (30 березня) Створено за підтримки PinchukArtCentre Особлива подяка Світлані Лавренчук та Олександрі Тряновій Проект став можливим за допомоги Ольги Безверхої, Микити Момота, Даніїла Ревковського, Марії Шенкнехт
Фото на странице доступны для использования в СМИ.
При использовании фотоматериалов, пожалуйста, указывайте следующую информацию.
Фотографии предоставлены PinchukArtCentre © 2019. Фотограф: Максим Белоусов.

Церемония награждения

Вернисаж

Фото на странице доступны для использования в СМИ.
При использовании фотоматериалов, пожалуйста, указывайте следующую информацию.
Фотографии предоставлены PinchukArtCentre © 2019. Фотографы: Сергей Ильин, Александр Пилюгин.
Вторник — воскресенье:
с 12:00 до 21:00

Время работы

Местоположение

ул. Большая Васильковская/Бассейная 1/3-2, Киев, Украина
+380 44 590-08-58
info@pinchukartcentre.org
Вторник – Воскресенье с 12:00 до 21:00
Понедельник — выходной
Вход свободный