FUTURE GENERATION ART PRIZE @ VENICE 2019
Событие в рамках официальной параллельной программы
58-й Международной выставки искусств – La Biennale di Venezia
11 мая - 18 августа 2019
PinchukArtCentre и Фонд Виктора Пинчука представляют выставку работ 21 молодого художника из 17 стран мира, которые вошли в шорт-лист 5-й Премии Future Generation Art Prize – международного конкурса для молодых художников в возрасте до 35 лет. Премия, основанная в 2009-ом, в этом году отмечает свою 10-ю годовщину.

Являясь частью официальной параллельной программы 58-й Международной выставки искусств в Венеции – La Biennale di Venezia, выставка пройдет в Palazzo Ca 'Tron с 11 мая по 18 августа 2019 года. 21 художник, чьи работы представлены в этом году в Венеции, были отобраны из 5800 заявок, полученных на конкурс. Среди них произведения обладательницы главной премии Future Generation Art Prize 2019 в размере $100,000 Эмилия Шкарнулите (Литва), а также лауреатов специальных премий на общую сумму $ 20,000 – Габриэль Голаят (ЮАР) и Cooking Sections (Великобритания).

Кроме того, в рамках выставки будут экспонироваться работы художников-номинантов Премии, среди которых: Монира Аль Кадири (Кувейт), Ю Араки (Япония), Коракрит Арунанондчаи (Таиланд), Мэдисон Байкрофт (Австралия), Каспер Босманс (Бельгия), Анна Звягинцева (Украина), Эли Лундгаард (Норвегия), Таус Махачева (Россия), Тойин Оджи Одутола (Нигерия), Сондра Перри (США), Гала Поррас-Ким (Колумбия), Якоб Стеенсен (Дания), Дэниел Тернер (США), Лаура Уэртас Миллан (Колумбия), Алия Фарид (Кувейт), Родриго Эрнандес (Мексика), Маргерит Юмо (Франция), и группа художников Базель Аббас и Руанн Абу-Раме.
В экспозицию войдут существующие и новые работы, созданные специально для пространства Palazzo Ca' Tron, и, которые гармонично взаимодействуют со зданием дворца и его историей. Многие из этих работ задают вопрос о толковании знания, подводя нас к предложенной модели будущей археологии или археологии будущего. Каким образом будет восприниматься настоящее через 100 или 1000 лет? Как может выглядеть человечество? Насколько опытным будет мир?

Многие из этих вопросов демонстрируют озабоченность и говорят о возможных предложениях для завтрашнего дня. В то же время другие работы касаются насущных нерешенных проблем мира сегодняшнего. Какое место занимают локальные культурные традиции в глобализированном мире? Как выживают ценности в век технологий, который нивелирует наше чувство традиции? Как определить собственную идентичность, когда националистические модели, кажется, идут вразрез с глобализированными сообществами?

Эти вопросы громче резонируют в расположенном на Гранд канале Palazzo Ca'Tron, которым с 1972 года владеет Университет института архитектуры Венеции. Это учебно-аналитический хаб, занимающейся преимущественно темой городского планирования. Палаццо, построенный в конце шестнадцатого столетия, носит имя Трон – одной из самых благородных и влиятельных венецианских семей. Сотрудничество между университетом и премией Future Generation Art Prize позволяет объединить усилия в рамках миссии обеих институций: предоставить новым поколениям возможность стать творцами будущих изменений.

Премия Future Generation Art Prize – признанная стартовая площадка для новых талантов, благодаря которой победители прошлых лет получили мировое признание. Так, Линетт Ядом-Боакье была номинирована на Премию Тернера, а победительница конкурса 2017 Динео Сеше Бопапе будет представлять Южно-Африканскую Республику на Венецианской Биеннале 2019. Победительница первого конкурса Премии, Синтия Марселле, представляла Бразилию на 57-й Международной выставке искусств La Biennale di Venezia. Коллектив Open Group, который был номинирован на соискание премии в 2017 году, будет представлять Украину на Biennale Arte 2019.

Кураторами выставки «Future Generation Art Prize @ Venice 2019» выступают Бйорн Гельдхоф, арт-директор PinchukArtCentre, и Татьяна Кочубинская, куратор Исследовательской платформы PinchukArtCentre.

Победители конкурса были объявлены во время проведения выставки в PinchukArtCentre, которая проходила с февраля по апрель 2019 года. Лауреаты были выбраны среди номинантов международным жюри, в состав которого вошли Хор Аль-Касими, президент фонда Sharjah Art Foundation и Международной ассоциации биеннале; Пабло Леон де ла Барра, куратор, Латинская Америка, Музей и Фонд Соломона Гуггенхайма, Нью-Йорк; Бйорн Гельдхоф, арт-директор PinchukArtCentre, Киев; Том Марлоу, арт-директор Королевской академии искусств, Лондон, и Габи Нгкобо, куратор 10-й Берлинской биеннале.

Премия Future Generation Art Prize, учрежденная Фондом Виктора Пинчука в 2009 году, – это международная премия в области современного искусства, целью которой является открытие новых имен и предоставление долгосрочной поддержки будущему поколению художников. Премия является важным вкладом в поддержку открытого участия молодых художников в динамичном культурном развитии общества в эпоху глобальных преобразований.

Премию Future Generation Art Prize курирует Совет, возглавляемый Виктором Пинчуком. В состав Совета входят четыре художника-патрона премии – Андреас Гурски, Дэмиен Херст, Джефф Кунс и Такаши Мураками - коллекционеры Эли Броад, Дакис Иоанну, Элтон Джон, Миучча Прада, а также директоры музеев Ричард Армстронг, Музей и Фонд Соломона Гуггенхайма; Гленн Д. Лоури, Музей современного искусства (MoMA) и Альфред Пакеман, бывший директор Национального музея современного искусства, Центр Жоржа Помпиду.

Место проведения:

Palazzo Ca' Tron San Croce, 1957, 30135, Venice, Italy

Время работы: 10:00 – 18:00 каждый день (кроме понедельника). Вход свободный.

Дни допремьерного показа: 8 - 10 мая, с 10: 00 до 18:00

Допремьерный показ для СМИ: четверг, 9 мая, 09:00

Прием по случаю открытия: четверг, 9 мая (только по приглашениям)

Комиссар и промоутер проекта - Фонд Виктора Пинчука

Организатор: PinchukArtCentre, Киев, Украина

Вернисаж

Монира Аль Кадири
(35 – Кувейт)
Монира Аль Кадири исследует в своих проектах последнего времени последствия нефтяной промышленности для стран Персидского залива и неопределенность их близкого будущего. Художница задает вопрос: что останется на память после того, как закончится нынешняя преходящая эра нефти?
«Меня лично беспокоят сегодня вопросы истории и того, как ее незнание сказывается на нашем будущем.Физически в полной мере прошлое пережить невозможно, однако как люди мы прибегаем к самым искренним попыткам каким-то образом снова прожить его. Моя работа - это размышления о времени как о месте и образе мышления».
Ю Араки
(33 – Япония)
Работы Ю Араки создаются под сильным влиянием его путешествий, в стремлении постичь путаницу культурных и социополитических различий между пунктами назначения. Он создает ярко выраженный визуальный киноязык, в котором переплетаются художественный вымысел и истории из реальной жизни, приглашающие зрителя в транс-культурные путешествия.
«Я черпаю вдохновение из окружающих меня контекстов, и для меня творчество - это способ заново дать толкование, заново прокрутить или заново составить собственное впечатление об этом. Поскольку меня захватывает взаимосвязь вещей, меня интересует, как найти то сочетание, которым можно соединить все эти разные элементы, к которым я обращаюсь».
Коракрит Арунанондчаи
(31 – Таиланд)
Художник, режиссер и рассказчик историй Коракрит Арунанондчаи задействует свою разностороннюю практику для изложения историй, встроенных в культурную трансплантацию и гибридность. В своем творчестве он комплексно сочетает художественный вымысел с поэзией и предлагает пережить синестезический опыт, связанный с множеством тем, основанных в первую очередь на жизни членов его семьи, друзей и коллег, а также на локальных мифах. Арунанондчаи - не художник-одиночка. Он активно сотрудничает с большим количеством людей для совместного создания видео, перформансов и музыки.
«Стабильная почва может порой слегка вибрировать, а иногда неожиданно взрывается. Единственным, что остается в мире стабильным, может быть ощущение вашего собственного дыхания. Мне хотелось бы думать, что это ощущение будет существовать после момента, когда вы можете дышать, то есть, когда ваше тело уже не существует».
Мэдисон Байкрофт
(31 – Австралия)
Мэдисон Байкрофт воспроизводит системные дисфункции. Узнаваемые формы вступают во взаимодействие с вещами, которые не подлежат определению. Разрушая комфортные предсказуемые схемы, Байкрофт сводит воедино причудливые костюмы, сюрреалистические сценарии, странные формы или моменты, способные нарушить последовательный нарратив, предлагая зрителям опыт отстранения.
«Я работаю с ассоциациями - вот это похоже на вот то, и ощущается как что-то другое. Однако меня интересуют формы ассоциации, где не всегда просто сформулировать общность - где то, что объединяет, является нечетким, непостижимым для языка или логики. Далее, исходя из этого, важно задать себе вопрос: как провести связь через отличие, не доводя вещи до однородности в рамках зоны комфорта? Как в случае с нетранзитивными глаголами - как я могу действовать таким образом, чтобы избежать употребления прямого дополнения? Вот, к примеру, слово «about»: оно не уточняет что-нибудь и не раскрывает сути, а просто движется вокруг, находится сбоку или, в пафосном ключе, предлагает этому чему-то пройти через меня».
Каспер Босманс
(28 – Бельгия)
В своих междисциплинарных, часто игривых работах Каспер Босманс исследует историю традиций, создавая новые нарративы, предлагающие аналитический взгляд на культурные и политические артефакты. Опираясь на свои исследования европейской политической и культурной истории, Босманс имплицитно критикует механизмы влияния и власти, подавая их в виде эстетических объектов.
«Используя эти надуманные и подчас эксцентричные примеры, я стараюсь избежать любого современного активистского толкования, однако это не значит, что они не помогают нам сохранять бдительность. Бдительности достаточно».
Габриэль Голаят
(34 – ЮАР)
Габриєль Голаят позиционирует свою практику в контексте, на котором отразились унаследованные пережитки, неравенство и до сих пор незаживающие травмы колониализма и апартеида, а также социально укорененные структуры патриархальной власти и культуры изнасилования. В своем осмыслении того, как насилие, совершенное в отношении тел чернокожих, коричневокожих, женщин, гомосексуалистов и уязвимых людей фиксируется в повседневности через формы репрезентации, она обращается к перформансу, звуку и ритуальным жестам, чтобы более эффективно и этично проявить реакцию на пережитый травматический опыт.
Специальная премия
Future Generation Art Prize 2019
«Жюри в восторге от подхода, найденного к такой сложной и важной теме в чувствительной, трогательной и в то же время пронзительной манере в работе «Эта песня - для ...». Она непосредственно и эмоционально обращается к зрителю, и одновременно создает сильное чувство дискомфорта. Однако она оставляет место для личных размышлений и сохраняет уважение к представленным 6 личным историям».
«Когда нам не помогает язык, когда нам не помогает традиционное лечение, искусство - это то, что открывает для нас возможности для контакта иного свойства, более гуманного контакта наверное. Такого, в котором различия, которыми отмечен наш опыт жизни в мире становятся - при всех связанных с ними дискомфорте, боли и противоречиях - основой для взаимного признания и заботы между нами».
Комментарий жури: «Жюри в восторге от подхода, найденного к такой сложной и важной теме в чувствительной, трогательной и в то же время пронзительной манере в работе «Эта песня - для ...». Она непосредственно и эмоционально обращается к зрителю, и одновременно создает сильное чувство дискомфорта. Однако она оставляет место для личных размышлений и сохраняет уважение к представленным 6 личным историям»
Родриго Эрнандес
(34 – Мексика)
Родриго Эрнандес интересуется процессом создания искусства и конструирования образов. В своей художественной практике он занимается деконструкцией и сочетанием древней иконографии, истории искусства и повседневных изображений для выработки собственного формального лексикона. Вдохновленный идеей многозначности образов, художник использует свое воображение и личные ассоциации, предлагая их в качестве ключевых инстинктов, которые помогут сориентироваться в современном мире.
«Для меня было важно придать форму скоротечным моментам через эту конкретную технику и металл, поскольку я испытываю потребность в том, чтобы внести настоящий отпечаток своих собственных тела и силы в работу. Метафора руки, которая пытается что-то схватить и ей это не удается, и поэтому нужна моя собственная рука, чтобы сделать отметку, которая это проявляет - в этом есть противоречие, которое, на мой взгляд, все же делает работу живой».
Анна Звягинцева
(32 – Украина)
В своей художественной практике Анна Звягинцева часто заставляет проявляться скрытые, неощутимы грани нашей жизни, демонстрируя их уязвимость и документируя неуловимые, непостижимые моменты.В своем видео «Декларация намерения и сомнения» Звягинцева продолжает исследовать рисунок как автоматический след. В этой работе на смену листу бумаги приходит сцена. Предлагая опыт, основанный на кино, художница подчеркивает пространственные взаимодействия и конфликты между персонажами и акцентирует внимание на том, как могут смещаться архетипические роли.
«Рисунок - это очень хороший предмет: это предмет, не только инструмент. Он часто рассекает саму идею линии рисунка как линию мышления, и я хочу разрабатывать это в дальнейшем в моей практике. Для меня идея рисунка связана с тем, как человек думает».
Эли Лундгаард
(28 – Норвегия)
Творчество Эли Марии Лундгаард погружает в человеческую психику и попытки понять ее. Она исследует, как мы производим смыслы, а также устанавливаем связи и отношения между внутренним и внешним мирами. Она изучает взаимодействие и взаимовлияние между субъектом и его окружением. Лундгаард интересует, как окружающая среда формирует тело, и наоборот.
«Я часто исследую пространства, где смысл теряет актуальность, и когда граница между вещами смещается или исчезает. Я ставлю себе целью манипулирование миром вокруг меня, его деконструктцию и реконструкцию, стирание или размывание общепринятых определений и концепций, смотреть на то, что нельзя ни подтвердить, ни опровергнуть. В пространстве между фактом и фикцией я хочу превратить нечто на первый взгляд знакомое в нечто чуждое и неизведанное».
Таус Махачева
(35 – Россия)
Художественная практика Таус Махачевой охватывает широкий спектр медиа, в частности перформанс, видео и инсталляции, в которых художница критически анализирует столкновения и взаимодействие различных культур и традиций. Махачева выросла в Москве, однако ее культурные корни связаны с Дагестаном и кавказским регионом в целом, ее художественная практика сформировалась под влиянием этой личной связи с сосуществуюшими между собой до- и постсоветским мирами. Часто наполненные юмором, работы художницы испытывают на устойчивость образы, объекты и тела в современном мире.
«Ни одна другая сфера не сможет предложить вам такого интеллектуального, эмоционального и психологического опыта, как то, что вы получаете при взаимодействии с искусством. Я хочу делать что-то подобное. Значение имеет не законченная работа как таковая, а скорее опыт зрителя и его диалог с произведением».
Тойин Оджи Одутола
(33 – Нигерия)
Тойин Оджи Одутола создает мультимедийные рисунки с использованием различных поверхностей, исследуя шаблонные представления и то, насколько подобные образы могут быть ненадежными, системными и общественно кодированными. В ее последних работах это исследуется через вымышленную историю семьи нигерийских аристократов. В большой серии, фрагменты которой представлены в экспозиции, предлагается иллюстрация параметров состоятельности и ее перспектив, приспособляемости культурной истории и вопросов относительно беспрекословнсти статуса. Это мысленный эксперимент, где людям, которые исторически подвергались притеснениям, принадлежат их собственные тела и капиталы, в противовес ситуации, где их тела является капиталом. Оджи Одутола исследует, меняет ли представление таких персонажей в ситуации роскоши восприятие себя и собственных возможностей. В результате открывается вещь, подобная любому социальному конструкту или инструменту: их видно только благодаря повышенному вниманию; с ним или без него их значимость как людей уравнивается.
«Думаю, когда люди видят богатство, когда они видят любую гламурную подачу, они видят статус, даже если речь идет о людях с темным цветом кожи. Я пытаюсь донести людям, что те изображения, которые они воспринимают естественно - все эти изображения достатка и гламура - они на самом деле сконструированы таким же образом, как сконструированной является раса, и таким же образом, как гендерная презентация также является конструктом».
Сондра Перри
(31 – США)
Сондра Перри создает видео, перформансы и инсталляции, выводящие на передний план использование инструментов цифрового производства как способ для критической рефлексии о новых технологиях репрезентации и для ремобилизации их потенциала.
Гала Поррас-Ким
(33 – Колумбия)
Гала Поррас-Ким обращается к социальному и политическому контексту, влияющим на репрезентацию языка и истории, создавая свои работы при посредничестве учебного процесса. Ее произведения - продукты практики, уходящей корнями в исследовательский процесс, охватывающий различные методологии из области лингвистики, истории и сохранения наследия.
«Значительная часть созданных мною работ имеет дело с историческими артефактами, о назначении которых люди могли не иметь никакого представления. Я много работаю с историками, составителями коллекций и кураторами, и я просто спрашиваю, «Какой, по вашему мнению является оригинальная функция этой вещи?», стобы выяснить разрыв между научным методом и элементом креативного написания, которое, по моему мнению, является более честным способом говорить об истории, сказать «я не знаю».
Якоб Стеенсен
(31 – Дания)
В своей художественной практике Якоб Кудск Стеенсен исследует будущие сценарии гибридизации технологии и природы. Его пространственные симуляции выглядят как мистические виртуальные миры, созданные из оцифрованных органических материалов мира реального. Он создает симуляции ландшафтов с использованием 3D-сканеров, фотограмметрии, спутниковых данных о рельефах местности и фото органических текстур, сделанных им во время путешествий и в рамках сотрудничества со специалистами по биологии полевых культур, неправительственными организациями и художниками разных дисциплин. Настоящие места и предметы естествознания превращаются в мистические и наполненные жизнью цифровые экосистемы.
«Я демонстрирую свою виртуальные среды в рамках больших физических инсталляций, имитирующих атмосферу и материалы цифровых миров. Я не считаю свои работы чисто цифровыми, это скорее инсталляции ландшафтов, где органические элементы из прошлого сочетаются с настоящим, как в физической, так и виртуальной форме. Мне интересно, как органические материалы и инфраструктуры вплетаются в нашу жизнь, влияя на то, как мы чувствуем и представляем наши взаимоотношения с миром».
Дэниел Тернер
(35 – США)
Дэниел Тернер преимущественно работает со скульптурой, превращая материалы, объекты и среды в тактильные или атмосферные формы. Его работы - продукт контролируемых процессов, обыгрывающих специфику места. Для Тернера форма является процессом трансформации. В своей выборе материалов он обращается к знакомым, но при этом ограниченныым средам, сохраняя чувственную привязку к географическим локациям, культурным ассоциациям и человеческому контакту. Винницкая областная клиническая психоневрологическая больница, основанная в 1987 году в Виннице, Украина, является действующим лечебно-профилактическим учреждением, специализирующимся на амбулаторном лечении и профилактике психиатрических и неврологических заболеваний, а также нейрохирургии. Для этой выставки Тернер создал две скульптуры, вдохновением для которых стала эта организация: в результате калиброванного процесса обработки среды художник отобрал, архивировал и переплавил одну метрическую тонну железных кроватей из больницы в две концентрированные формы.
Лаура Уэртас Миллан
(35 – Колумбия)
Переплетая этнографию, экологию, художественный вымысел и исторические исследования, Лаура Уэртас Миллан через свои движущиеся изображения прибегает к изучению стратегий выживания, сопротивления и стойкости к насилию. Работая с долгосрочными исследованиями, она совместно с Кристобалем Гомесом, членом общины Муина-Муруйи в Колумбийской Амазонии, создает с 2011 года серию фильмов, посвященных растению коки. В их постоянных киноразговорах поднимаются такие темы, как запрет, война против наркотиков, наши разорванные отношения с природой и репрезентация самобытности в Колумбии и за ее пределами. В этом конкретном фильме рассказывается о производстве «мамбе» - оригинального порошка из коки - в сочетании с текстом о происхождении вселенной, где речь идет о сопротивлении, оказываемом на протяжении веков.
«Важной темой для размышлений и исследования для меня была эстетическая метисизация: от культурной антропологии, вдохновлявшей мои предыдущие фильмы, к «художественной этнографии». С одной стороны, если кто-то рассматривает этнографию как комплекс нарративов, укоренившихся в колониализме, это можно понять как форму создания художественных образов. С другой стороны, одни из самых интересных современных этнографических практик отошли от колониального ключа, интегрируя подчас инструменты, основанные на языке художественных образов, в собственные разработки».
Алия Фарид
(33 – Кувейт)
Алия Фарид живет и работает в Кувейте и Пуэрто-Рико - странах, из которых она происходит, и чью сложную колониальную историю она раскрывает через рисунки, объекты, пространственные инсталляции и фильмы.

Ее работа, представленная в PinchukArtCentre под названием «Хранилище» - это реакция художника на несостоявшиеся процессы модернизации и на проблемы, связанные с репрезентацией. Часто фрагментированный показ произведений сочетает символы прошлого и настоящего, свидетельствующие об упадке арабского политеизма с появлением ислама, а затем взлет нового материализма с появлением нефтяной экономики.
Эмилия Шкарнулите
(31 – Литва)
Эмилия Шкарнулите исследует изменчивую границу между документальным и художественным, между экологическими и космическими силами, рассматривая какие-либо нечеловеческие и постчеловеческое масштабы в глубине пространства и времени. Работа «t1/2» продолжает тему постчеловеческой мифологии в художественной визуальной медитации о современной науке с точки зрения будущей археологии.
Название отсылает к символу, обозначающему «период полураспада» - термин, широко используемый в ядерной физике для описания радиоактивного распада. В работе, представленной в виде масштабной видеоинсталляции, возникает архитектура, сконструированная художницей с помощью 3D-сканеров дистанционного зондирования и зеркального потолка, приглашая в путешествие по эпическому географическому ландшафту.
Главная премия
Future Generation Art Prize 2019
«Работа Эмилии Шкарнулите «t1/2» является последовательно и уверенно представленным результатом глубокого и обширного исследования. Жюри было загипнотизировано ее масштабом, ритмом и темпом, в сочетании со способностью компактно и точно работать с большими промежутками человеческого времени. То, как она использует такой медиум как видео, перерастает в многодисциплинарный опыт, в котором происходит столкновение со многими важными вопросами, которые возникают сегодня перед человечеством и часто остаются непроговоренными. Не вдаваясь в излишнюю дидактику или проповедование, эта работа сохраняет свою неограниченность во времени и поэтичность, и одновременно поднимает фундаментальные вопросы о том, откуда мы происходим, кто мы и куда мы можем прийти»
Шкарнулите, выступающая в роли сирены, сочетает прошлое с будущим, исследуя память об этрусских кладбищах, Литовской атомной электростанции - сестре Чернобыльской АЭС, обсерватории для выявления нейтрино «Супер-Камиоканде» в Японии, фабрике антиматерии, Большом адронном коллайдере в Европейском центре ядерных исследований, радиолокационной станции «Дуга» и заполярной базе подводных лодок времен Холодной войны. «T1/2» обращается ко всему, что является большим, чем мы, и масштабнее жизни - к приближающейся климатической катастрофе, природным явлениям, идеологическим конструктам, колоссальным исследовательским сооружениям, новейшим геополитическим процессам и человеческому знанию, как мы его представляем. Все они оставили шрамы на планете Земля.
Маргерит Юмо
(31 – Франция)
В своей художественной практике Маргерит Юмо сплетает фактические события в спекулятивные нарративы, наделяя таким образом неизвестные, невидимые, вымершие формы жизни способностью выплеснуться в грандиозном величии. Сочетая протоисторию, оккультную биологию и научную фантастику в обескураживающем представлении, ее работы воскрешают прошлое, соединяют подземное и подкожное, одновременно обновляя жанр поиска в соответствии с требованиями эры информации.
«Мои работы призваны заново запустить, воскресить, активировать вымершие, невидимые, древние и будущие экосистемы, голоса, создания и существа. Вместе с экспертами я делаю предположение относительно того, какими могут быть, могли бы быть, могли бы стать те миры. Я формулирую гипотезы, которые впоследствии я превращаю в физический опыт с привлечением звука, скульптуры, рисунков и различных других компонентов и фикций».
Базель Аббас и Руанн Абу-Раме
Практика Базеля Аббаса и Руанн Абу-Раме в значительной степени основана на исследованиях и сосредоточена на пересечениях между перформативностью, формированием политических образов, виртуальностью, телом, изображением и текстом. Во всех своих работах они испытывают современный ландшафт, обозначенный, кажется, вечным кризисом и бесконечным «настоящим», которое формируется политикой, основанной на желании и трагедии. В рамках своих проектов они откапывают, активируют и изобретают случайные нарративы, фигуры, жесты и территории в качестве материала для того, чтобы заново придумать возможности настоящего времени.
«Уничтожение целых общин - это насилие, проявляемое не только по отношению к индивидуальному или коллективному телу, но также и по отношению к местам и вещам: живым структурам, растительности и земле, не говоря уже о живой истории, обществе и памяти. В конце концов, это насилие, проявляемое по отношению к нашему воображению или какому-либо ощущению будущности».
Cooking Sections
Cooking Sections (группа, образованная в 2013 году) - это дуэт пространственных практиков, базирующийся в Лондоне. Группа была создана для критических исследований систем, организующих мир через питание. Используя инсталляции, перформанс, картографию и видео, их исследовательская практика изучает пересечения границ между визуальным искусством, архитектурой и геополитикой. Начиная с 2015 года они работают над несколькими итерациями долгосрочного привязанного к местности проекта CLIMAVORE, исследующего вопрос надлежащего питания в мире, в котором происходят климатические изменения и мы сами меняем климат.
Специальная премия
Future Generation Art Prize 2019
«Жюри выражает глубокое уважение к художественной практике, затрагивающей серьезные вопросы, к которым наши мастера политики не испытывают ни малейшего аппетита. Через свою работу «CLIMAVORE: За право почвы не быть истощенной» Cooking Sections делают предложения для построения лучшего будущего и успешно привлекают к этой теме более широкую аудиторию»
«Для нас CLIMAVORE стало достаточно действенным способом наблюдения за ухудшением экологии и за ролью пищевых систем в трансформациях, вызванных человеком. За эти годы несколько реализованных проектов помогли нам выработать критический подход к построению пространств пищевого производства и потребления. По мере того, как продолжается наша работа, мы все больше стали интересоваться тем, как критическое мышление может стать источником критических предложений через исследование практик, дающих возможность появляться альтернативным социальным, экологическим и политическим платформам».
Фото на странице доступны для использования в СМИ.
При использовании фотоматериалов, пожалуйста, указывайте следующую информацию.
Фотографии предоставлены PinchukArtCentre © 2019. Фотограф: Максим Белоусов, Сергей Ильин.
Вторник – Воскресенье с 12:00 до 21:00
Понедельник — выходной
Вход свободный

Время работы

Местоположение

ул. Большая Васильковская/Бассейная 1/3-2, Киев, Украина
+380 44 590-08-58
[email protected]