Выставка 20-ти номинантов
Премии PinchukArtCentre 2020

9 февраля 2020 - 3 января 2021
PinchukArtCentre представляет выставку 20-ти номинантов 5-го конкурса на соискание Премии PinchukArtCentre – общенациональной премии для украинских художников в возрасте до 35 лет. Проект включает новые и недавно созданные работы художников и арт-коллективов со всей Украины.

Художественные подходы 20 номинантов отличаются между собой, при этом они отражают образ мышления пост-майданного поколения в украинском искусстве. Многих из них объединяют активные рефлексии о социальной проблематике и критике архаичных властных структур. Среди тем – ценность труда в постиндустриальную эпоху; медиа-манипуляции и их влияние на политическую деятельность, как в Украине, так и по всему миру; проявление уважительного отношения к гендерному разнообразию в противовес физическому насилию, которое по-прежнему остается движущей силой в социальных процессах. И хотя прямой активизм в течение определенного времени оставался ведущей практикой, мы наблюдаем, как на смену ему приходят жесты, призванные трансформировать опыт и функционал общественного пространства города.

20 номинантов были отобраны независимой комиссией из более, чем 1100 заявок. В шорт-лист вошли: АнтиГонна (32, Киев), Катя Бучацкая (32, Киев), Ксения Гнилицкая (35, Киев), Юли Голуб (29, Харьков/Вроцлав), Павел Гражданский (28, Харьков), Александра Кадзевич (26, Одесса), Оксана Казьмина (35, Киев), Николай Карабинович (30, Одесса/Гент), Антон Карюк (31, Киев), Ирина Кудря (32, Киев), Ларион Лозовой (31, Киев), Тимофей Максименко (24, Киев), Элиас Парвулеско (34, Киев), Валентина Петрова (34, Прага/Киев), Алина Соколова (23, Ужгород/Вена), Дмитрий Старусев (34, Макеевка), Анна Щербина (31, Запорожье/Киев), а также группы: Студия 12345678910 (Евгений Образцов, 25, Днепр/ Киев; Анастасия Омелич, 23, Днепр/ Киев; Никита Момот, 24, Днепр), Ярема Малащук (26, Коломыя/Киев) и Роман Химей (27, Коломыя/Киев), Даниил Ревковский (26, Харьков) и Андрей Рачинский (29 Харьков).

Кураторы выставки: Александра Трянова, младший куратор PinchukArtCentre;
Бйорн Гельдхоф, арт-директор PinchukArtCentre.
АнтиГонна

Родилась в 1986 году. в Виннице. Живет и работает в Киеве, Одессе и Варшаве. Использует в качестве медиа перформанс, видео и виртуальную реальность. Училась на факультете живописи Одесского художественного училища им. М.Б. Грекова. С 2016 года вместе с оператором Андреем Бойко начинает проект «Бесконечная история болезни. Киевские порно-ужасы (часть 1). СБИЙКА» и трэш-порно сериал «АндрейАндреева». С 2016 года участвует в спектаклях Театра провокационной моды «Орхидея» Михаила Коптева. Участница таких квир-фестивалей и выставочных проектов, как 4th International Horror Festival. Mostra Espantomania, Сан-Пауло, Бразилия (2019); Audience Awards, Нью-Йорк (2019); RabarBar Queer Festival, Краков, Варшава, Вроцлав, Познань (2019); POMADA. Eden 8, Варшава (2018); 12th Internationale Berlin Porn Festival, Берлин (2017); «Непослушные тела», Кмитовский музей изобразительного искусства им. Буханчука, Кмитов (2019).
Обращаясь к собственному телесному опыту и личным страхам, АнтиГонна повествует о коллективных травмах украинского общества. Избрав форму видео, художница рассказывает о табуированном и устрашающем, а также раскрывает тему гендерно обусловленного насилия.

Герои ее видео, которых играют одни из ключевых персонажей киевского андеграунда, будто протестуют против устоявшихся норм: несмотря на заданный художницей сценарий, они разыгрывают собственный сюжет и создают личную интерпретацию темы. Трансформирующими факторами в этих видео становятся отчаяние и злость, именно они образуют платформу для разговора о глубинных желаниях и тревогах общества в период посттравматических изменений.
АнтиГонна. Бесконечная история болезни. Киевские порно-ужасы, часть первая. СБОЙКА. 2017-2020
Катя Бучацкая

Родилась в 1987 г. в Киеве, где живет и работает. В своих проектах художница исследует тему безвременья, трансформацию и перевоплощение объекта. Работает с инсталляцией, скульптурой, фотографией, живописью. Училась в Киевском полиграфическом институте, в École Nationale Supérieure d'Art de Dijon, в 2015 году закончила Национальную академию искусств и архитектуры в Киеве. Участница инициативной группы по сохранению наследия Параски Плитки-Горыцвит. Участница группы «Монтаж». Среди выбранных проектов: «Фотографии с прошлого года», Малая Галерея Мистецького Арсенала, Киев (2019); «Будь осторожен с этим топором, Юджин», художественное пространство AКT, Киев (2019); «Ма́ра» совместно с Виталием Коханом, Port Creative Hub, Киев (2017); SpaceS, SpaceS Contemporary Art Exhibition, Galerie La Cave, Женева (2017); «Открытки с Майдана», Люблин, Варшава (2014).
Инсталляция Кати Бучацкой воспроизводит типичный зал музея естествознания, в котором представлены экспонаты временной выставки – археологические памятники и архивные документы, организованные вокруг фигуры палеонтолога Хью Фальконера. Известно, что Фальконер родился в Эдинбурге в середине XIX века, занимался исследованиями палеофауны и погиб во время экспедиции при загадочных обстоятельствах. Остатки ученого, законсервированные в гипсе, сохранились благодаря его ассистенту. Неординарный факт того, что тело Фальконера дополнило коллекцию окаменелостей, привлекает внимание к его личному дневнику. Частично представленный в экспозиции в печатном виде, он раскрывает причины склонности Фальконера к самоистязанию.

В стеклянных витринах Бучацкая демонстрирует кость динозавра (так называемый «эдинбургский экземпляр», найденный Фальконером), гипсовый слепок мужского тела и рукописный дневник. Инсталляция называется «Рекорд боли», что отсылает к одной из версий гибели палеонтолога – самоубийства в потоке раскаленной лавы, которая способна сохранить форму тела, но оставляет ее пустой. Используя всего три объекта, художница рассказывает личную историю XIX века, оторванную от ее собственного контекста. В своих практиках Бучацкая часто работает с темой времени, использует методы археологии медиа и применяет тактику «мягкого» вмешательства в среду (галерейного, музейного или природного пространства). В работе «Рекорд боли» художница привлекает внимание к найденным объектам на археологической дистанции и поднимает вопрос об их значении для современного зрителя, о роли автора в таком художественном жесте и способности воспринимать драмы, которые скрывают объекты, находясь по эту сторону витрины.
Катя Бучацкая. Рекорд боли. 2020
Ксения Гнилицкая

Родилась в 1984г. в Киеве, где живет и работает. В своей практике обращается к живописи, графике, керамике, а также видео. Училась в Национальной академии художественного искусства и архитектуры на факультете живописи. Соосновательница и участница групп «Р.Э.П.» и «Худрада». Участница групповых и персональных выставок, среди избранных проектов: Stratigraphy, Vozdvizhenka 32, Киев (2016); «Степень зависимости», Вроцлав, (2016); Lest The Two Seas Meet, Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie, Варшава (2015); «Цветотрест», Малая галерея Мистецького Арсенала, Киев (2013); Gyumri Biennial (в составе группы «Р.Э.П.») Гюмри (2008).
В своей работе «Сон Пьера Мичелли, или Памятник победы сапротрофов» Ксения Гнилицкая предлагает свою визионерскую картину потенциального будущего: вследствие самоуничтожения человечества на планете Земля снова начнут господствовать древнейшие виды жизни – грибы и бактерии. Ее скульптурная композиция апеллирует к типичной картине posthuman: природа захватывает и заселяет остатки человеческой цивилизации, запечатленной в образе керамических колонн. Иронично, но по своему стилю колонны Гнилицкой могут напоминать архитектуру «сталинского ампира», которому свойственны роскошь, величие и монументальность.

Ксения Гнилицкая более десяти лет последовательно исследует и изображает мир растений и грибов. Впрочем, в новой работе она переходит от более привычных для нее форм живописи и графики к объемной скульптуре, возведенной вокруг концептуального высказывания.
Ксения Гнилицкая. Сон Пьера Мичелли, или Памятник победы сапротрофов. 2019–2020
Вторая специальная премия
Юли Голуб

Родилась в 1990г. в Харькове. В настоящее время живет и работает в Окленде, США.

Использует такие медиа, как видео, инсталляция, 3D-анимация и коллаж. Выпускница Школы фотографии и мультимедиа им. Родченко (Москва) мастерской Сергея Браткова, магистрант Национального университета им. Каразина (Харьков). Участница международных выставок и биеннале, среди которых: Memories from the Future. Incredible adventures of the bearded women. Behind the scene, xpon-art gallery, Гамбург (2019); PinchukArtCentre Prize 2018, Киев; «Я не робот», Электромузей, Москва (2018); Versus, PinchukArtCentre, Киев (2017); «Фестиваль молодого украинского искусства», Мистецький Арсенал, Киев (2017); Trans-people. State of insecurity, ЕрмиловЦентр, Харьков (2016).
В своей работе Юли Голуб показывает предубеждения и страхи традиционных западных сообществ. Художница вводит в сюжет общество «пришельцев» – бородатых женщин, которые своим внешним видом и поведением олицетворяют «инаковость». Для хозяев дома – семейной пары среднего возраста – такие незваные гости сначала становятся шоком. Они переживают различные эмоциональные состояния: от неприязни и растерянности к сопереживанию. Когда хозяйка дома вступает в гипнотический ритуальный танец с женщинами, осуществляется восприятие «пришельцев» через взаимодействие с телами «других». Видео иллюстрирует возможные шаги преодоления неприятия «других» и возможное взаимодействие различных сообществ и неопределенных идентичностей.
Юли Голуб. Смотри, у неё борода! 2019–2020
Павел Гражданский

Родился в 1991г. в Харькове. Живет и работает в Харькове и Санкт-Петербурге. Учился в «Школе Вовлеченного Искусства Что Делать» в Санкт-Петербурге (2016). Основатель и редактор долгосрочного проекта «Травмпункт», который изучает российско-украинские реалии на основе добровольного документального письма и анализа массивов данных (2017). Сооснователь пространства художественных практик «Кропоткина 11» (2018). Среди избранных персональных и групповых проектов: «Укрытие», бомбоубежище района Sörnäinen, Хельсинки (2018); «Всё как у воды», галерея Detenpyla, Львов (2018); «Это уже переходит всякие границы», ПК Розы, Санкт-Петербург (2018); «Убирайся, пока здоров», сквот «Автономия», Харьков (2017).

В своей работе Павел Гражданский поднимает вопрос о милитаризации широких слоев населения, что стало следствием длительной войны на Донбассе. Видеоработа Гражданского развивается вслед за логикой человеческой жизни: от сюжетов про обучение украинских детей и молодежи в военно-патриотических лагерях до репрезентации будней армейцев-контрактников и торжественных похорон после героической смерти. Используя найденные в Интернете видеорепортажи об украинской армии и парамилитарных объединениях, автор создает свое критическое высказывание насчет всеобщей милитаризации.
Павел Гражданский. Изувечено. 2020
Александра Кадзевич

Родилась в 1992 г. в Одессе, где живет и занимается творчеством. Работает на пересечении живописи, коллажа и скульптуры. В 2013 году окончила Художественное училище им. М.Б. Грекова (отделение живописи). В 2017 году получила грант на обучение в Kyiv Academy of Media Arts на курсе Леси Хоменко. В начале своей художественной практики работала в традиционной технике живописи. С 2016 года отошла от академизма и начала исследования возможностей живописи. В 2018 году основала в своей мастерской artist-run space NOCH. Участница четвертой программы художественных резиденций SWAP: UK/Ukraine 2019. Участница таких проектов, как «Здесь живут другие люди», The Naked Room, Киев (2019); «Пара лишних шагов в ту сторону», Артсвит, Днепр (2019); спецпроект пятой Одесской биеннале современного искусства «Загородные практики: сезонная близость», Одесса (2017).
Основным предметом практики Александры Кадзевич является живопись. Получив классическое художественное образование, она последовательно обращается к техникам живописи и испытывает различные материалы для исследования этого медиума. В 2017 году в своей мастерской в Одессе Кадзевич основала artist-run-space NOCH, что способствовало развитию местной художественной среды. Изменения в частном пространстве мастерской повлияли на практику художницы и вдохновили ее на переосмысление отношений между произведением искусства, пространством и архитектурой – произошла трансформация мышления в сторону пространственно-ориентированной живописи, где основной стала материальность объекта, а сама живопись наполнилась эфемерностью, свойственной интуитивному прикосновению.
Александра Кадзевич. Путь от глаза к глазу
Оксана Казьмина

Родилась в 1984 г. в пгт. Яковлево (Россия). Живет и работает в Киеве. В своей работе обращается к медиа перформанса, инсталляции и видео. Училась в ЛНУ им. И.Франко на факультете журналистики и КНУТКТ им. Карпенко-Карого на факультете режиссуры. Режиссер кино и художница, работает с позиций интерсекционного феминизма и постгуманизма, исследует существующие структуры власти и то, как/какие телесные практики могут их подвигать. Является соучредителем художественного коллектива ОKCAHAS и проекта «Практики Тела». В 2019 году получила приз за лучший короткометражный фильм («Девочка, мальчик и секрет») на Одесском Международном Кинофестивале. Преподавала режиссуру кино в Университете Веслеян (США). Участница многих национальных и международных проектов: проект Николая Ридного «Вооружены и Опасны» (2019); Спецпроект пятой Одесской биеннале современного искусства «Загородные практики: сезонная близость», Одесса (2017); Биеннале современного искусства «Киевская Школа», Киев / Вена (2015); Таланты Берлинале в рамках Берлинского МКФ, Берлин (2014).
Работа Оксаны Казьминой касается темы обыденности насилия. Действие видеоработы разворачивается в секонд-хенде – месте перераспределения вещей. Выбирая одежду, героини видео разговаривают между собой. Их разговоры состоят из пересказов снов, отрывков из детского фольклора, постов из социальных сетей и чатов, цитат из книг и др. Через проговаривание реальных и вымышленных историй об идентичности, морали и телесности, героини экспонируют повседневность насилия, которое каждая из них пережила и продолжает переживать.
Оксана Казьмина. «Мутация. Ни Сказка, Ни Мюзикл». 2020
Первая специальная премия
Николай Карабинович

Родился в 1988 г. в Одессе. Живет и работает в Генте и Киеве. В своей практике использует такие медиа, как видео, звук, инсталляция и перформанс. Закончил Одесский национальный университет имени И.И. Мечникова, кафедра философии. С 2019 года учится в Higher Institute for Fine Arts в Генте. В 2017 году был ассистентом куратора 5-ой Одесской биеннале. Лауреат Первой Специальной премии PinchukArtCentre Prize 2018. Принимал участие во многих национальных и международных проектах: «От моря до моря», Hit Gallery, Братислава (2019); «Весна (лето, осень, зима) наций», BWA, Тарнув (2019); Ain't nobody's business, PinchukArtСentre, Киев, (2018); «Судьба человеческая», Европейский музей и центр толерантности, Москва (2018); PinchukArtCentre Prize 2015, Киев.
Николай Карабинович в своей практике часто обращается к корням своей мультикультурной семьи, накладывая опыт работы с коллективной памятью на персональную историю. Отправной точкой авторского рассказа в этой работе стала музыка. Мелодия, которую воспроизводит расположенная в углу комнаты музыкальная шкатулка, насчитывает более ста лет. Её первичное авторство неизвестно. Греки и евреи поют основанные на этой мелодии песни. И они совершенно разные по своему содержанию: греческий вариант рассказывает о любви к прекрасной девушке, а еврейский – о проводах парня на войну. Исполненная механической шкатулкой, эта мелодия лишена непосредственно человеческого, способствующего ненависти, лицемерию, насилию – этим она получает шанс стать объединяющей. Можно представить, что все эти люди – евреи, греки и все, кто знает этот мотив – встретились вместе и узнали эту мелодию – и, возможно, захотели бы спеть ее вместе. Но где бы такое могло произойти – на пустынном берегу сохнущего лимана либо в любом другом месте, где вступит в силу универсальная поэзия искусства?
Николай Карабинович. Как можно дальше. 2020
Антон Карюк
Родился в 1988 г. в Днепре. Живет и работает в Киеве и Вильнюсе. В своей практике использует живопись, видео, инсталляции и перформанс. Изучал архитектуру в Приднепровской государственной академии строительства и архитектуры. Среди избранных персональных и групповых проектов: Pre_education, Дрезден (2019); Identifying, Leoparden, Уппсала (2019); Sünden unter freiem Himmel – Deutsche Ausgabe, Rasch, Кассель (2019); «Запретная семья», Kedi, Измир (2017); «Пороки под открытым небом», фестиваль современного искусства Porto Franko, арт-группа «Степь», Ивано-Франковск, Украина (2017).
Минималистическая инсталляция Антона Карюка посвящена теме безопасности представителей ЛГБТК+ сообществ в публичных местах. После каждого прайда участники маршей, опасаясь проявлений насилия, пытаются покинуть центр города, запрыгнув в вагон метро. В этой ситуации наличие либо отсутствие жетона в кармане определяет, насколько быстро удастся покинуть небезопасную зону. Отлитый из серебра жетон на метро отображает ценность личной безопасности и символизирует протест против насилия и ненависти по отношению к ЛГБТК+ сообществ. По аналогии с системой проезда в киевском метрополитене, постепенно меняющейся и модернизирующейся, художник говорит об изменениях в обществе, которому нужно находить новые способы коммуникации, альтернативные языку насилия.
Антон Карюк. Ценность. 2020
Ирина Кудря
Родилась в 1986 г. в Киеве, где живет и работает. В своей практике обращается к таким медиа, как видео и инсталляция. Окончила Государственную академию статистики, учета и аудита. В 2014-2015 гг. училась на курсе современного искусства Школы визуальных коммуникаций (Киев, авторы курса Екатерина Бадянова и Лада Наконечная). В 2017 году – выпускница «Школы Вовлеченного Искусства Что Делать», (Санкт-Петербург). Участница «Коллектива конкретных дат» (ККД) с момента создания Коллектива в 2014 году и до его роспуска в 2017-м. В 2014-2017 гг. посетила серию воркшопов перформативных практик Tanzlaboratorium research group. Была участницей многих выставочных и исследовательских проектов: How to be cool, PinchukArtCentre (2019); «Прялка, сабля и олень», Краеведческий музей, Станица Луганская (2018); «Работай больше! Отдыхай больше!», Минск (2017).
Автор работы предстает перед зрителями в двух ипостасях: ведущей и гостьи телепередачи популярного формата типа «Женских историй» на вымышленном канале «АРТ Планета Киев». Перевоплотившись в образ актрисы, Кудря рассказывает о роли феминистки и активистки, православной христианки, дауншифтницы-уборщицы, офисной работницы. Роль ведущей Киры Терентьевой, которую также исполняет автор, отсылает нас к образу чувствительной собеседницы, без которой жанровый формат не работает. Видеоперформанс, чьи формат и эстетика соответствуют канонам телевизионной программы, становится для художника поводом прожить свою нереализованную мечту и побыть известной актрисой. В лице Кудри перед зрителем предстают две героини, иронизирующие над историей собственного «успеха».
Ирина Кудря. Интервью. 2020
Ларион Лозовой

Родился в 1987 г., живет и работает в Киеве. Художник и независимый исследователь, сферами его интереса является экономическая история Центрально-Восточной Европы и идеология креативности. Получил художественное образование на курсе современного искусства при Школе визуальных коммуникаций (Киев), в Кураторской школе фонда V-A-C (Москва) и WHW Akademija (Загреб). Автор критических и искусствоведческих текстов, опубликованных в изданиях Korydor, Prostory и Krytyka Polityczna. Был номинирован на PinchukArtCentre Prize 2018 и Visible Award. Среди последних проектов: Sleeping off a Century of Hope, Viafarini, Милан (2019); Open Studio / Open Nova, Studio Maljković, Загреб (2019); MIDTERM, Galerija Nova, Загреб (2019); Living Monuments, Neurotitan/HausSchwarzenberg, Берлин (2018).

Художественная практика Лариона Лозового в первую очередь сосредоточена на экономической истории, её связях с искусством и динамике культурной и промышленной модернизации. Темой новой работы стал феномен обществ дружеской взаимопомощи (friendly societies) – рабочих организаций, распространенных в Европе в XVIII веке. Тяжелые условия труда, типичные для раннеиндустриального периода, побудили рабочих создать систему страхования от профессиональных рисков, которую им отказывались предоставлять владельцы фабрик. Став ячейками свободомыслия и классового сознания, Общества быстро оказались под запретом.

В своей работе художник рассказывает историю полумифического Объединенного общества свободных создателей, возникшее на заре нового экономического порядка, когда индустриальная мощь стремительно угасала и уступила экономике знаний. Опустевшие в результате этих изменений цеха и мастерские стали центрами для свободных творцов и предпринимателей. Рассказывая историю этого общества, Лозовой акцентирует внимание на «культурном обновлении» устаревших систем, где художники и организаторы творческих процессов становятся предвестниками будущих изменений.
Ларион Лозовой. Объединенное общество свободных со-создателей. 2020
Тимофей Максименко

Родился в 1995 г. в Киеве, живет и работает в Киеве и Лондоне. Окончил Краковскую академию искусств имени Яна Матейко в Польше. Также учился в University of Wolverhampton в Великобритании и Polytechnic University of Valencia в Испании. Обращается к таким медиа, как звук, видео, перфоманс. Тимофей участвовал в London Art Night (2018), Burning Man (2019), US2, галерея Filet, Лондон (2019), The Sound Labyrinth, Art Gallery of Contemporary Art Bunker, Краков (2018).
Работа Тимофея Максименко представляет собой музыкальные импровизации в реальном времени, которые будут проходить в разных местах Киева во время работы выставки. В коллаборации с четырьмя украинскими электронными музыкантами художник будет создавать серию партисипативных аудиоперформансов. Саунд-импровизации будут базироваться на шумах электрических щитков, вытяжек и канализации. Этой работой художник хочет обратить внимание на город как на живой организм, попытаться прочувствовать его напряжение и ритмы. Тимофею Максименко важно показать город как пространство для взаимодействия, объединяющее различные музыкальные комьюнити и постоянное окружение PinchukArtCentre.

Посетить перформансы можно по регистрации, действующей на втором этаже PinchukArtCentre.
Тимофей Максименко. Под напряжением. 2020
Элиас Парвулеско

Родился в 1985 г. в Киевской области. Живет и работает в Киеве. Изучал инженерию и киноведение. Художественное образование получил на Курсе современного искусства при Школе визуальных коммуникаций (Киев). Работал журналистом, редактором, исследователем кино. Соучредитель художественного и кинообъединения ruїns collective. Участник украинских и международных проектов: «Вооружены и опасны», Изоляция, Киев, «ЕрмиловЦентр», Харьков, Украина (2018); «Серый куб», Центр визуальной культуры, Киев / Харьковская школа архитектуры, Харьков / Bunker, Кишинев (2018); фестиваль «Молодость» (2018); «Соцреализм. Казаться другим», Национальный художественный музей Украины, Киев (2018); Одесский международный кинофестиваль, Одесса (2016).
Элиас Парвулеско обращается к темноте как к оптическому феномену, равно как и метафорическому образу. Во времена неудержимых климатических изменений темнота представляется еще и умозрительной чертой между капитализмом и природой, между экспансивной углеродной экономикой и «медленным» существованием природных экосистем.

В данной работе примером существования темноты являются пещеры – геологические образования, сформировавшиеся миллионы лет назад на дне мирового моря на стыке тектонических плит. Большинство из этих природных образований и сейчас пребывают в состоянии неописуемой темноты, они недоступны ни для солнечного либо искусственного освещения, ни для человека.

Элиас Парвулеско. «…Встречными гонимые ветрами над гладью морской…». 2020
Валентина Петрова

Родилась в 1984 г., живет и работает в Киеве. Использует такие медиа, как перформанс, видео, инсталляция, тело, вышивка, органические материалы и др. Художественное образование получила в «Школе Вовлеченного Искусства Что Делать» в Санкт-Петербурге в 2015 г. и на курсе современного искусства при Школе визуальных коммуникаций (Киев) в 2014 г. Участвовала в таких проектах: WARSAW UNDER CONSTRUCTION 10, Вроцлав (2018); «Прялка, сабля и олень», Краеведческий музей, Станица Луганская (2018); Киевская биеннале (2017); «Что во мне есть от женщины?», Центр визуальной культуры, Киев (2015).
Исследователь и профессор Эйндховенского технологического университета представит доклад на основе своей многолетней научной работы по изучению и применению функциональной музыки в промышленности и сельском хозяйстве Советского Союза и на постсоветском пространстве. Что такое функциональная музыка? Почему она была важной частью различных отраслей народного хозяйства, и какую роль сыграла в процессе идеологизации труда? Как повлиял контекст основных исторических периодов на использование функциональной музыки? Валентина Петрова в доступной форме, с привлечением архивных фото-, аудио- и видеоматериалов расскажет о том, каким образом функциональная музыка вошла в быт и как она видоизменялась с течением времени.
Валентина Петрова. Функциональная музыка в промышленности и сельском хозяйстве СССР и постсоветского пространства. 2020
Алина Соколова

Родилась в 1995 г. в Ужгороде. Живет и работает в Вене и Ужгороде. Использует такие медиа, как живопись, фотография, видео и перформанс. Училась в Колледже искусств в Ужгороде, Академии искусств и дизайна в Братиславе. В 2015 г. начала обучение в Академии искусств в Вене в классе Мартина Гуттманна (искусство и фотография). Среди избранных персональных и групповых проектов: Heracleumfall, Michaela Stock, Вена (2019); Smugglers choreography / painterly trauma, Semperdepot Lehargasse, Вена (2018); The monument of Danube, проект в публичном пространстве в рамках месяца фотографии, Белград (2018); «Доверь мне свой импорт», резиденция «Простите, номеров нет», Ужгород (2017).
Проект Алины Соколовой посвящен разным типам невидимого труда и хореографии бытовых жестов. Во многофигурной живописной композиции и серии видеоперформансов автор поднимает вопрос труда художника, часто работающего не по специальности. Однако, чтобы не потерять навыки, он каждый раз возвращается к своему ремеслу. Соколова обращает внимание на то, что подобная смена практик может быть доведена до автоматизма, а телесные привычки, полученные художником во время выполнения рутинной работы, перенесены на творчество.
Алина Соколова. Хореография труда. 2019
Дмитрий Старусев

Родился в 1984 году. в Макеевке, живет и работает в Москве. В своей практике использует фотографию и инсталляцию. Учился во Всероссийском государственном институте кинематографии (2012) и Школе фотографии и мультимедиа им. Родченко (Москва) в мастерской Сергея Браткова. Участник персональных и коллективных проектов: «Время по линии сердца», Ruarts, Москва (2019); «Вера в глубоком кризисе», галерея «Виктория», Самара (2019); «Свет адского цветения», Артсвит, Днепр (2019); Academiae Biennial, Fortezza, Italy (2018); PinchukArtCentre Prize 2018, Киев; «Тестовая группа», фонд «Екатерина», Москва (2018); XII Красноярская музейная биеннале, Красноярск (2017); Versus, PinchukArtCentre, Киев (2017), «Поле зрения», параллельная программа Молодежной биеннале в Москве (2016); «Фольклорная экспедиция, Донбасс», Фотобиеннале ММСІ, Москва (2016).
В этой инсталляции Дмитрий Старусев наделяет видимостью чувственность и незаметные для человеческого глаза общечеловеческие проблемы, проблематизирует способность человека претерпевать катастрофы и ужасы истории, как то: коллективные депортации, массовые убийства, атомные бомбардировки. Художник здесь выступает сторонником апокалипсических настроений, где трагическую данность представляет черный неразличимый мир. Он утверждает: больше нет авторства, есть – энергия. Нет идентичности, есть – Планета. Нет «истины», есть – жизнь. По его мнению, наступает время свободного высказывания от имени «самой жизни» как нелинейного и хаотического измерения.

Представленные элементы инсталляции воспроизводят сакральное пространство, которое было потеряно во время победы всех ересей и постправды, когда стали возможными множественные версии трактовки действительности.
Дмитрий Старусев. Когда мы вернулись в пещеры. 2020
Анна Щербина

Родилась в 1988г. в Запорожье, с 2009 года живет и работает в Киеве. В своей практике обращается к таким медиа, как живопись, рисунок, инсталляция, видео. Получила образование в Одесском художественном училище и Национальной академии изобразительных искусств и архитектуры в Киеве. Также училась на курсе современного искусства Школы визуальных коммуникаций (Киев, 2013-2014, авторы курса – Екатерина Бадянова и Лада Наконечная) и в летней школе «Школы Вовлеченного Искусства Что Делать» (Берлин, 2014). Соучредитель «Коллектива конкретных дат» (2015-2017), группы «ЙОД» (2013-2015). Участница проектов: «Пещера золотой розы», Арт-центр Closer, Киев (2019); «Свое пространство», PinchukArtCentre, Киев (2018); «Прялка, сабля и олень», Краеведческий музей, Станица Луганская (2018); «Украина в огне» (в составе КПД), PinchukArtCentre, Киев (2017); «Соцреализм. Казаться другим», Национальный художественный музей Украины, Киев (2017).
В работе «Диспозиция властного взгляда на примере пейзажа военного времени» Анна Щербина поднимает тему идеологического пейзажа. Щербина придает такую форму своему произведению, чтобы его нельзя было полностью окинуть взглядом. Таким образом художница переосмысливает музейную военную диораму, которая представляет собой инверсионный идеологический пейзаж. Однако вместо традиционного героического военного ландшафта автор воспроизвела обыденную, лишенную пафоса войны изнанку – черно-белый пейзаж условного населенного пункта «серой зоны». Щербина принципиально создала собирательный образ видов различных поселков Луганской области – Крымского, Трехизбенки, Золотого, Станицы Луганской и других, которые посещала в 2016-2019 годах вместе с мониторинговой правозащитной миссией организации «Восток SOS» и в рамках децентрализаторской художественной инициативы «Музей открыт на ремонт». Настенная роспись Щербины эстетически отсылает к социальному пейзажу передвижников: поздняя осень, голые деревья, серое небо, грязная дорога и ветхий дом, в котором, очевидно, ютится человеческая жизнь. И только контрольно-пропускной пункт со шлагбаумом отличает этот пейзаж от многих других сел по всей Украине, обозначая это место как особенное.
Анна Щербина. Диспозиция властного взгляда на примере пейзажа военного времени. 2020
Студия 12345678910

Группа художников и архитекторов из Днепра. В данный момент часть группы живет в Киеве. Студия организована в 2016 году, в ее состав входят Евгений Образцов (род. в 1993 г.), Анастасия Омелич (род. в 1996 г.) и Никита Момот (род. в 1995 г.). Используют методы критического дизайна для исследований в среде городской археологии, обращаясь к таким медиа, как фото, инсталляция и графика. Среди избранных выставок: How to be cool, PinchukArtCentre, Киев (2019); «Дом, который стал почвой», Комната, Артсвит, Днепр (2018); «Захват. Ситуация», Vozdvizhenka 32, Киев (2016).
Художники и архитекторы, участники Студии 12345678910, в своей практике последовательно работают со стихийными формами, характерными для городских ландшафтов современной Украины. На этот раз в центре их внимания оказались бетонные глыбы, камни и подобные самодельные конструкции, с помощью которых жители украинских городов препятствуют проезду автомобилей через дворы жилых домов и в зеленых зонах. Полевое исследование, которое легло в основу работы, было проведено в Днепре. Его результатом является фотоархив. Авторы фиксируют следы конфликтов, решенных с применением грубой силы – установки бетонной глыбы. Такой объект переламывает текущую ситуацию и лишает дорогу функции. Осмысливая это явление в архитектурной форме, они пристраивают к имеющемуся блоку 10 таких же блоков, образующих ступени. Этот жест снова символически переламывает ситуацию и частично возвращает дороге функцию – она становится доступной для человека и некоторых видов транспорта. Иллюстрации, сделанные в технике литографии, изображают этапы трансформации пространства.
Студия 12345678910. Бетонный блок тяжелее человека. 2019–2020
Главный приз
Ярема Малащук и Роман Химей

Ярема Малащук (род. в 1993 г.) и Роман Химей (род. и 1992 г.) родом из Коломыи, Ивано-Франковская область, в данное время живут и работают в Киеве. Оба учились в КНУ им. И.К. Карпенко-Карого. Работают преимущественно с видео как художники, режиссеры и операторы-постановщики. Лауреаты Второй Специальной премии PinchukArtCentre Prize 2018. Сотрудничали с голландской группой художников Metahaven над фильмом «Родной город» и режиссером Филиппом Сотниченко («Гвоздь», «Технический перерыв»). Лауреаты главной премии «МУХи 2019». Среди избранных выставок: «МУХи 2019», Национальный музей Тараса Шевченко, Киев (2019); Dance of Urgency, Q21, Вена (2019); PinchukArtCentre Prize 2018, Киев; «Небо синее-синее», Bursa gallery, Киев (2019).
Работа затрагивает вопросы восприятия документальности изображения и роли идеологии. Снимая сцену репетиции военного ансамбля «красноармейцев», авторы определяют зону идеологического как транзитную и таковую, что в своей устаревшей форме не соответствует современному ритму. Маскулинная энергия танцоров контрастирует с обветшалым модернистским интерьером. Так происходит столкновение советской утопии с ущербными формами бестолкового экономического перераспределения. В то же время, анализируя связи визуальной культуры с идеологией, авторы провоцируют дискуссию о самом медиуме кино. Экспериментируя с фиксацией художественного воспроизведения документальной реальности, они спрашивают: какие характеристики самодвижущихся картинок вызывают у нас доверие?
Ярема Малащук и Роман Химей. Прямая трансляция. 2020
Приз общественности
Даниил Ревковский и Андрей Рачинский

Художники из Харькова, родились в 1993 г. (Даниил Ревковский) и в 1990 г. (Андрей Рачинский). Живут и работают в Харькове. Используют такие медиа, как видео и инсталляция. Закончили Харьковскую государственную академию дизайна и искусств. В 2010 году создали паблик Вконтакте под названием «Память», с которого начали совместную работу с темой коллективной памяти на постсоветском пространстве. Совместную работу начали в 2012 году. Участники многих проектов и выставок, среди которых: «Война надписей», OFF/FORMAT, Брно (2019); «Копоть», EFTI, Мадрид (2019); Вторая национальная Биеннале молодого искусства, Харьков (2019); PinchukArtCentre Prize 2018, Киев.
В этой работе художники Андрей Рачинский и Даниил Ревковский исследуют самые жестокие проявления социокультурных процессов в новейшей истории Украины. Художники рассказывают о бандах так называемых «бегунов» и беспрецедентных в своей кровавости уличных войнах с участием подростков, имевших место в Кривом Роге на протяжении 1980-1990-х годов. Используя технологию фейковой исторической реконструкции, художники переносят события и своих персонажей в Запорожье. В первой части тотальной инсталляции Рачинский и Ревковский воспроизводят штаб одной из банд, наполняя его культовыми для персонажей объектами и трофеями, отобранными у противников в ходе столкновений. Вторая часть воспроизводит не менее героическую параллельную реальность: в ней размещен информационный стенд милиции, посвященный следственным действиям в расследовании по делу малолетних преступников.
Андрей Рачинский и Даниил Ревковский. Сорванцы. 2019–2020
Вернисаж
Вторник — пятница:
с 12:00 до 21:00

Время работы

Местоположение

ул. Большая Васильковская/Бассейная 1/3-2, Киев, Украина
+380 44 590-08-58
[email protected]
Вторник – Воскресенье с 12:00 до 21:00
Понедельник — выходной
Вход свободный